Взрослая социальная сеть
Поиск секса поблизости, а также
тематические знакомства и виртуальное общение

ВХОД РЕГИСТРАЦИЯ
Все о сексе Секс чат Блоги Группы

Страницы: (1) 1
Мужчина i9o8
Женат
15-07-2009 - 15:37
Начну с Рубенса.
Загрузить свои фото
Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Питер Пауль Ру́бенс (нидерл. Peter Paul Rubens; 28 июня 1577, Зиген — 30 мая 1640, Антверпен) — плодовитый фламандский живописец, как никто другой воплотивший подвижность, безудержную жизненность и чувственность европейской живописи эпохи барокко. Творчество Рубенса — органичный сплав традиций брейгелевского реализма с достижениями венецианской школы. Хотя на всю Европу гремела слава его масштабных работ на мифологические и религиозные темы, Рубенс был также виртуозным мастером портрета и пейзажа.
Содержание
Происхождение

Из старинной семьи антверпенских граждан. Его отец, Ян Рубенс, бывший в эпоху правления герцога Альбы старшиной города Антверпена, за свою приверженность идеям Реформации попал в опальные списки и был вынужден бежать за границу.

Сначала он поселился в Кёльне, где вступил в близкие отношения с Анной Саксонской, супругой Вильгельма Молчаливого. Эти отношения вскоре перешли в любовную связь и нежелательную беременность, которая оказалась достоянием общественности. Яна посадили в тюрьму, откуда он был выпущен только после долгих просьб и жалоб своей жены, Марии Пейпелинкс и отправлен в ссылку.

Местом ссылки ему был назначен небольшой городок Нассауского герцогства, Зиген, в котором он и прожил со своей семьёй с 1573 по 1578 гг., и где, вероятно, 28 июня 1577 г., родился будущий великий живописец.

Ранние годы

Детство Питера Рубенса протекло сначала в Зигене, а потом в Кёльне, и лишь в 1587 г., после смерти Яна Рубенса, его семья получила возможность возвратиться на родину, в Антверпен.
«Геро и Леандр» из собрания Рембрандта (ок. 1605, подражание Тинторетто).

Общее образование Рубенс получил в иезуитской коллегии, после чего служил пажом у графини де Лялен. Занятиям живописью Рубенс стал предаваться очень рано. Его учителями по её части были Тобиас Вергагт, Адам ван Ноорт и Отто ван-Вэн, работавшие под влиянием итальянского Возрождения и сумевшие, особенно последний, вселить в молодого художника любовь ко всему античному.

В 1598 г. Рубенс был принят свободным мастером в антверпенскую гильдию св. Луки, а в 1600 г., по установившемуся издавна обычаю нидерландских живописцев, отправился заканчивать своё художественное образование в Италию. В 1601 г. он состоял при дворе мантуанского герцога Винченцо Гонзаги, у которого и оставался на службе в течение всего своего пребывания в Италии.

Мантуанский период

По поручению герцога, он посетил Рим и изучал там итальянских мастеров, после чего, прожив некоторое время в Мантуе, был послан с дипломатическим поручением в Испанию, где внимательно осмотрел собрание Прадо. Его деликатное обхождение с мадридским двором и известным своей темпераментностью мантуанским посланником произвело благоприятное впечатление на герцога Винченцо.

Во время пребывания в Мантуе Рубенс курировал местную картинную галерею, пополняя её портретами придворных красавиц, и выполнил три крупных холста на религиозные темы для иезуитской церкви в Мантуе. Слава о нём перешагнула скоро пределы Мантуанского герцогства: иезуиты попросили его написать полотно на сюжет «Обрезания» для церкви Сант-Амброджио в Генуе.
«Похищение Ганимеда» (подражание Корреджо, 1611).

Судя по копиям, сделанным Рубенсом с картин Тициана, Тинторетто, Корреджо, Леонардо да Винчи и других выдающихся мастеров предыдущего столетия, можно предполагать, что в эту пору он побывал во всех наиболее важных художественных центрах Италии, с целью изучения произведений итальянской живописи эпохи Возрождения.
Римский период

В 1605 г. брат Рубенса, будучи учеником гуманиста Липсия, занял место библиотекаря при ватиканском кардинале Асканио Колонна и пригласил молодого художника в Рим. После двух лет изучения классических древностей в компании брата Рубенс (летом 1607 г.) был вызван для исполнения портретов генуэзской аристократии на Ривьеру. Там он свёл знакомство с Якопо Серра, генуэзским банкиром, кредитовавшим папу римского. Благодаря его помощи Рубенс получил завидный заказ на алтарь для церкви Санта-Мария-ин-Валичелла в Риме. Одновременно он работал над алтарём для монастыря ораторианского ордена в Фермо.

Появление заказов на работу в Риме, который тогда был меккой для всех европейских художников, позволило Рубенсу разорвать свои обязательства по отношению к провинциальному мантуанскому двору. (Сыграли свою роль и хронические задержки с выплатой жалованья.) В октябре 1608 г. он получил письмо от брата из Антверпена о том, что их мать находится на смертном одре. Он поспешил на север, но уже не застал её в живых.
Возвращение в Антверпен
Дом Рубенса в Антверпене
«Четыре философа» (1611-12). Палаццо Питти, Флоренция [1]

Возвращение в Антверпен молодого, но уже известного в Италии художника заставило искать его услуг многих состоятельных бургеров, клерикальные круги и наместников испанских Габсбургов. К брюссельскому двору последних Рубенс оказался привязан «золотыми оковами». Положенное ему жалование было таково, что он смог открыть просторную мастерскую, нанять множество подмастерий и выстроить один из лучших особняков Антверпена (ближе всего напоминающий генуэзские палаццо), который с годами наполнился картинами, статуями и предметами декоративно-прикладного и ювелирного искусства, представлявшими лучшее в искусстве Италии.

Не порывал Рубенс и связей с могущественным орденом иезуитов. Он принял участие в проектировании орденом антверпенской церкви св. Карла Борромея и практически единолично отвечал за её внутреннее убранство; впрочем, в подготовке эскизов плафона ему помогал Антонис ван Дейк — самый талантливый из его многочисленных учеников. Венцом его сотрудничества с церковью стали грандиозные алтарные картины «Водружение креста» (1610) для церкви св. Вальбурги и «Снятие с креста» (1611-14) для городского собора Антверпена.
Мастерская Рубенса
«Похищение дочерей Левкиппа» (1618).

В октябре 1609 г. Рубенс сочетался браком с Изабеллой Брант, дочерью известного гуманиста Яна Бранта. В последующее десятилетие Рубенс достиг в Европе славы, с которой из художников предыдущих эпох мог сравниться только Тициан. Зиждилась она как на религиозных полотнах, для которых он выбирал самые драматичные эпизоды библейской истории («Страшный суд» из Старой пинакотеки и «Распятие» из Брюссельского музея изящных искусств), так и на брызжущих безудержной энергией, сочных по палитре, бесстыдных по эротизму сценах из античной мифологии (в Старой пинакотеке — «Битва амазонок» и «Похищение дочерей Левкиппа»).

Многочисленность подписанных Рубенсом работ (которые исчисляются тысячами) свидетельствует о том, насколько большую помощь художнику оказывали его ученики, среди которых — такие виртуозы, как Якоб Йорданс и Франс Снейдерс. В 1620-е гг. произведения мастерской Рубенса наводнили не только Испанские Нидерланды, но и всю Европу. Можно предположить, что для холстов большого размера сам мастер выполнял только первоначальный эскиз композиции и наносил краски на те участки, которые требовали особой проработки. Зачастую он представлял клиентам миниатюрный гризайльный эскиз будущего холста и, получив их одобрение, доверял его исполнение подмастерьям.
Рубенс как дипломат

В 1621 г. фландрская регентша Изабелла Испанская сделала Рубенса своим советником по вопросу продления перемирия с Голландской республикой. С этого времени фламандский живописец, который отличался обходительностью, был начитан, знал шесть языков и состоял в переписке со многими короноваными особами (его называли «королём художников и художником королей»), становится ценным приобретением для дипломатии испанских Габсбургов.
«Коронация Марии Медичи».

В 1622 г. Рубенса вызвала в Париж наслышанная о его славе вдовствующая королева Мария Медичи; ему было поручено заполнить картинами из её жизни два длинных перехода в новопостроенном Люксембургском дворце. Над исполнением этого заказа Рубенс работал в Антверпене два года. В 1625 г. в его присутствии 21 полотно из жизни королевы было установлено в Люксембургском дворце (впоследствии перенесены в Лувр). Он получил заказ на такую же серию из жизни её супруга Генриха IV, но этот проект так и остался неосуществлённым.

В 1628 г. король Филипп IV пригласил Рубенса в Мадрид, где тот получил возможность лицезреть богатейшее собрание произведений своего кумира, Тициана, а также копировать их. В 1629 г. ему было поручено отправиться в Лондон для проведения мирных переговоров с Карлом I, что и было исполнено с блеском. Во время пребывания в английской столице Рубенс покрыл потолок выстроенного Иниго Джонсом зала банкетов Уайтхолльского дворца аллегориями из жизни отца монарха, Якова I. За эти заслуги король возвёл художника в рыцари, а Кембриджский университет произвёл его в почётные доктора.
Закат жизни

Во время своих странствий Рубенс овдовел. По возвращении в родной Антверпен в 1630 г. он взял в жёны 16-летнюю дочь друга, Елену Фоурман. В последнее десятилетие жизни она становится излюбленным предметом его портретов, среди которых выделяется своей игривостью «Шубка» (1638, Музей истории искусств). Мы узнаём её черты в «Саду любви» (1634), в «Трёх грациях» (1638) и в «Суде Париса» (1639).
Портреты семьи Рубенса



Гораздо чаще, чем раньше, позднего Рубенса влекут пейзажи. Такие брейгелевские пейзажи, как «Пейзаж с радугой» (1636) и «Замок Стен» (1637), обязаны своим появлением приобретению Рубенсом в 1635 г. брабантского поместья Элевейт неподалёку от Мехелена. Средства на покупку доставил полученный от испанского короля заказ на 120 иллюстраций к текстам классических авторов, преимущественно Овидия.
Памятник Рубенсу в Антверпене

Жизнь в сельской местности приблизила Рубенса не только к природе, но и крестьянам. В таких вещах, как «Кермеса» (1638), он пытается превзойти Брейгеля в изображении разудалой стихии народного праздника.

Работать ему с каждым годом становилось всё труднее из-за прогрессирующей подагры. В 1640 г. Рубенса не стало. В его антверпенском доме после реставрации был открыт (в 1947 г.) музей Рубенса.

Творческая манера

Рубенс никогда не стеснялся подражать тем из предшественников, которые восхищали его, и особенно Тициану с Брейгелем. Первое десятилетие его творчества представляет картину трудолюбивого и методичного освоения достижений художников XVI века. Благодаря такому подходу он освоил все жанры ренессансной живописи и стал самым универсальным художником своего времени.
«Охота на гиппопотама» (1618).

Композиционные решения Рубенса отличаются исключительным разнообразием (диагональ, эллипс, спираль), богатство его красок и жестов никогда не перестаёт удивлять. Вполне соответствуют этой жизненности и грузные женские формы, так называемые «рубенсовские», которые могут оттолкнуть современного зрителя своей несколько тяжеловесной телесностью.

В 1610-е гг. Рубенс разрабатывает новые для фламандской живописи формы, в частности, жанр охотничьих сцен, которые проникнуты страстной динамикой зрелого барокко («Охота на крокодила и гиппопотама»). В этих работах вихрь композиционного движения сносит ограничения, традиционно налагаемые на художников линией и формой.

Рубенсовские мазки поражают смелостью и свободой, хотя при всей широте их он никогда не впадает в пастозность. Его непревзойдённое искусство владения кистью очевидно и в многометровых композициях 1620-х годов, и в точных, лёгких, подвижных мазках небольших работ последнего периода.
©
Получить код этого сета

Всего фото: 5





Это сообщение отредактировал - Vampire - - 01-10-2014 - 12:19
Мужчина i9o8
Женат
15-07-2009 - 15:57
Ре́мбрандт Ха́рменс ван Рейн (нидерл. Rembrandt Harmenszoon van Rijn, 1606—1669) — голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи. Он сумел воплотить в своих произведениях весь спектр человеческих переживаний с такой эмоциональной насыщенностью, которой до него не знало изобразительное искусство. Работы Рембрандта, чрезвычайно разнообразные по жанровой принадлежности, открывают зрителю вневременной духовный мир человеческих переживаний и чувств.
Загрузить свои фото
Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Содержание

Биография

Годы ученичества

Рембрандт Харменсзон («сын Харменса») ван Рейн родился 15 июля 1606 года (по некоторым данным, в 1607) в многодетной семье состоятельного владельца мельницы в Лейдене. Семья матери даже после Нидерландской революции сохраняла верность католическому вероисповеданию.
«Концерт» 1626 года — пример ластмановского влияния на юного Рембрандта.

В Лейдене Рембрандт посещал латинскую школу при университете, но наибольший интерес проявлял к живописи. В 13 лет он был отдан учиться изобразительному искусству к лейденскому историческому живописцу Якобу ван Сваненбурху, католику по вере. Рембрандтовские работы этого периода исследователями не выявлены, и вопрос о влиянии Сваненберха на становление его творческой манеры остаётся открытым: слишком мало известно сегодня об этом лейденском художнике.

В 1623 году Рембрандт занимался в Амстердаме у Питера Ластмана, прошедшего стажировку в Италии и специализировавшегося на исторических, мифологических и библейских сюжетах. Вернувшись в 1627 году в Лейден, Рембрандт совместно с другом Яном Ливенсом открыл собственную мастерскую и начал набирать учеников. За несколько лет он завоевал значительную известность.

Влияние Ластмана и караваджистов

Ластмановское пристрастие к пестроте и мелочности исполнения оказало огромное влияние на молодого художника. Оно явственно сквозит в его первых сохранившихся произведениях — «Побиении камнями св. Стефана» (1629), «Паламеде перед Агамемноном» (1626) и «Крещении евнуха» (1626). В сравнении с его зрелыми работами они необычайно красочны, художник стремится тщательно выписать каждую деталь материального мира, как можно достовернее передать экзотическую обстановку библейской легенды. Почти все герои предстают перед зрителем наряженными в причудливые восточные наряды, блистают драгоценностями, что создаёт атмосферу мажорности, парадности, праздничности («Концерт», 1626; «Давид перед Саулом», 1627).
Единственный морской пейзаж Рембрандта (ок. 1630 г.) был выкраден в 1990 году из музея Изабеллы Гарднер и до сих пор находится в розыске.

Итоговые произведения периода — «Товит и Анна», «Валаам и ослица» — отражают не только богатую фантазию художника, но и его стремление как можно выразительнее передать драматичные переживания своих героев. Подобно другим мастерам барокко, он начинает постигать значение резко вылепленной светотени для передачи эмоций[3]. Его учителями в отношении работы со светом были утрехтские караваджисты[3], но ещё в большей степени он ориентировался на произведения Адама Эльсхаймера — немца, работавшего в Италии[3]. Наиболее караваджистские по исполнению полотна Рембрандта — «Притча о неразумном богаче» (1627), «Введение во храм» (1628), «Христос в Эммаусе» (1629).

К этой группе примыкает первый дошедший до нас автопортрет (1628), на котором художник запечатлел себя в мастерской в момент созерцания собственного творения. Холст, над которым ведётся работа, вынесен на первый план картины; в сравнении с ним сам автор кажется карликом.

Мастерская в Лейдене

Одним из неразрешённых вопросов творческой биографии Рембрандта является его художественная перекличка с Ливенсом. Работая бок о бок, они не раз брались за один и тот же сюжет, как, например, «Ослепление Самсона» (1628) или «Воскрешение Лазаря» (1630). Отчасти оба тянулись за Рубенсом, который слыл тогда лучшим художником всей Европы, иногда Рембрандт заимствовал художественные находки Ливенса, иногда дело было ровно наоборот. По этой причине разграничение работ Рембрандта и Ливенса 1628-32 гг. представляет известные сложности для искусствоведов.

В 1629 году художника заметил секретарь принца Оранского, Константин Гюйгенс (отец Христиана Гюйгенса) — известный в то время поэт и меценат. В одном из писем того времени Гюйгенс превозносит Ливенса и Рембрандта как многообещающих молодых художников, а полотно Рембрандта «Иуда возвращает тридцать сребреников» он сравнивает с лучшими произведениями Италии и даже античности. Это Гюйгенс помог Рембрандту связаться с богатыми клиентами и заказал ему несколько религиозных полотен для принца Оранского.

Выработка собственного стиля
Таким изобразил себя Рембрандт в возрасте 23 лет.

В 1631 году Рембрандт перебрался в Амстердам, где свойственная эстетике барокко динамичность и внешняя патетика полотен сыскали ему множество состоятельных почитателей, подобно Гюйгенсу увидевших в нём нового Рубенса. Год спустя Ливенс закрыл лейденскую мастерскую и уехал в Англию, где подпал под влияние ван Дейка, потом до возвращения на родину в 1644 году работал в Антверпене.

Период переезда в Амстердам ознаменовался в творческой биографии Рембрандта созданием множества этюдов мужских и женских голов, в которых он исследует своеобразие каждой модели, экспериментирует с подвижной мимикой лиц. Эти небольшие произведения, впоследствии ошибочно принимавшиеся за изображения отца и матери художника, стали настоящей школой Рембрандта-портретиста. Именно портретная живопись позволяла в то время художнику привлечь заказы состоятельных амстердамских бюргеров и тем самым добиться коммерческого успеха.

В первые амстердамские годы видное место в творчестве Рембрандта занимает жанр автопортрета; изображая себя в фантастических одеяниях и замысловатых позах, он намечает новые пути развития своего искусства. Иногда пожилые персонажи этюдов, наряженные художником в роскошные восточные костюмы, преображаются его воображением в библейских персонажей; таков задумчивый «Пророк Иеремия» из собрания Рейксмюсеума (1630). Для штатгальтера Фридриха-Генриха Оранского он создаёт парные полотна «Воздвижение креста» и «Снятие с креста» (1632-33), вдохновлённые многофигурными гравюрами Рубенса.
Успех в Амстердаме

«Пир Валтасара» (1635)

Слава о Рембрандте как о незаурядном мастере распространилась по Амстердаму после завершения им группового портрета «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632), на котором внимательные студенты-медики не были выстроены в параллельные ряды обращённых к зрителю голов, как то было принято в портретной живописи того времени, а строго распределены в пирамидальной композиции, позволившей психологически объединить всех действующих лиц в единую группу. Богатство мимики каждого лица и драматическое использование светотени подводит итог под годами экспериментирования, свидетельствуя о наступлении творческой зрелости художника.

Первые годы в Амстердаме были самыми счастливыми в жизни Рембрандта. Состоявшийся в 1634 году брак с Саскией ван Эйленбюрх открывает перед художником двери особняков зажиточных бюргеров, к числу которых принадлежал её отец — бургомистр Леувардена. Заказы сыплются к нему один за другим; не менее полусотни портретов датируются именно первыми годами пребывания Рембрандта в Амстердаме. Особенно благоволили к нему консервативные меннониты. Немало шума наделал его двойной портрет меннонитского проповедника Корнелиса Ансло, который воспел в стихах сам Вондель.
Дрезденский автопортрет с Саскией на коленях (1636)

Материальное благосостояние Рембрандта позволило ему приобрести собственный особняк (см. дом Рембрандта), который он наполнял скупленными им у антикваров предметами искусства. Это были не только картины итальянских мастеров и гравюры, но также античная скульптура, оружие, музыкальные инструменты. Для изучения великих предшественников ему не было нужды выезжать из Амстердама, ибо в городе тогда можно было увидеть такие шедевры, как тициановский «Ариосто» и портрет Бальтазаре Кастильоне кисти Рафаэля. Под влиянием этих работ Рембрандт переходит от двойных портретов к масштабным изображениям моделей в полный рост (кассельский портрет Андриса Граффа, 1639).

К числу наиболее значительных портретов тех лет принадлежат изображения Саскии — иногда в домашней обстановке, лежащей в постели, иногда в роскошных одеяниях (кассельский портрет, 1634) и театрализованных обличьях («Саския в образе Флоры», 1634). В 1641 году у них родился сын Титус; ещё трое детей умерли в младенчестве. Избыток жизненных сил художника в годы брака с Саскией с наибольшей бравурностью выражен в дрезденском «Автопортрете с Саскией на коленях» (1636). Иконография этой прославленной работы восходит к моралистическим изображениям разврата блудного сына из библейской притчи и тем самым предвещает неизбежность будущего раскаяния.

Это предсказание сбылось — Саския умерла через год после рождения сына, и в жизни Рембрандта начался период непрерывных личных утрат.

Диалог с итальянцами

На творческий диалог Рембрандта с великими итальянскими художниками указывают не одни только портретные работы, но и многофигурные картины на мифологические и библейские темы, отразившие заботу художника о внешних эффектах и в этом отношении созвучные произведениям мастеров барочной Италии.
«Даная» в 1985 г. подверглась вандальному нападению, но была восстановлена российскими реставраторами.

Знаменитая «Даная» (1636) вся лучится светом; вероятно, именно эту картину как одно из лучших своих произведений художник преподнёс в дар Гюйгенсу, о чём сохранилось указание в их переписке. «Похищение Европы» и «Похищение Ганимеда» (оба 1632) — также обычные сюжеты итальянской живописи — совершенно преображены Рембрандтом путём введения, в первом случае, голландского пейзажа, во втором — иронической трактовкой легендарного юноши-красавца как младенца с искажённым гримасой ужаса лицом.

Как и в годы работы с Ластманом, творческое воображение Рембрандта требует библейских сюжетов с относительно неразработанной иконографией. В «Пире Валтасара» (1635) на лицах действующих лиц написан неподдельный ужас, впечатление тревоги усиливается драматичным освещением сцены. Не менее динамично «Жертвоприношение Авраама» (1635) — застывший в воздухе нож придаёт сцене непосредственность фотографического изображения. Более поздняя версия этой композиции из Мюнхена — пример того, как качественно копировали картины Рембрандта его подмастерья.

Эффекты света и тени Рембрандт разрабатывал и в офортах («Христос перед Пилатом», 1636), которым нередко предшествовали многочисленные подготовительные рисунки. На протяжении всей последующей жизни офорты приносили Рембрандту не меньший доход, чем собственно живопись. Как офортист он особенно славился применением сухой иглы, динамичного штриха и техники затяжки.
«Ночной дозор»

Основная статья: Ночной дозор (картина)

Рембрандт. «Ночной дозор» (1642).

В 1642 году Рембрандт получил заказ на один из шести групповых портретов амстердамских мушкетёров для нового здания Стрелкового общества; два других заказа достались его ученикам. При создании этой четырёхметровой картины — самого масштабного из своих произведений — Рембрандт порвал с канонами голландской портретной живописи, за два столетия предсказав художественные находки XIX века — эпохи реализма и импрессионизма. Модели были изображены весьма непосредственно, в движении, что вовсе не понравилось заказчикам, многие из которых оказались при этом задвинутыми на задний план:

Монументальное создание Рембрандта, запечатлевшее внезапное выступление в поход стрелковой роты, возглавляемой её командирами, решено им как массовая сцена, пронизанная движением толпы конкретных и безымянных персонажей и построенная на мерцающем контрасте ярко освещенных цветовых пятен и затенённых зон. Создающая впечатление разнобоя и напряжённости случайность запечатленной на полотне ситуации вместе с тем проникнута торжественностью и героическим подъёмом, сближается по своему звучанию с исторической композицией.

Столь смелое сочетание группового портрета с военными воспоминаниями Нидерландской революции отпугнуло заказчиков, которые отказались принять эту работу. Биографы Рембрандта спорят о том, насколько неуспех «Ночного дозора» (именно такое название впоследствии получила картина, до реставрации 1940-х гг. скрытая под потемневшим лаком) имел на дальнейшую карьеру художника. Конспирологическая версия истории с «Ночным дозором» приведена в одноимённом фильме британского режиссёра Питера Гринуэя (2007).


Каковы бы ни были причины охлаждения амстердамской публики к Рембрандту, результатом перемены во вкусах стало угасание его славы и постепенное обнищание. После «Ночного дозора» в мастерской Рембрандта остаются единичные ученики. Его прежние подмастерья, позаимствовав и развив какую-либо одну черту раннего Рембрандта, становятся более удачливыми и востребованными художниками, чем их учитель. Особенно характерен в этом отношении Говарт Флинк, в совершенстве освоивший внешнюю бравурность динамичных рембрандтовских полотен 1630-х гг. Лейденец Герард Доу — один из первых учеников Рембрандта — всю жизнь оставался под влиянием ластмановской эстетики полотен вроде «Концерта» 1626 года. Фабрициус, который работал в мастерской около 1640 года, охотно экспериментировал с перспективой и разрабатывал высветленные фоны, что принесло ему незаурядный успех в Делфте.

То, что в продолжение 1640-х годов от Рембрандта отворачиваются заказчики и оставляют ученики, можно объяснить не только провалом «Ночного дозора», но и общим поворотом живописной моды в сторону скрупулёзной детализации, к которой сам Рембрандт был наиболее склонен в ранние годы. Логика творческого развития вела художника в прямо противоположном направлении. С годами он стал отдавать предпочтение смелым мазкам кисти и резким контрастам света и тени, скрадывающей почти все фоновые детали.

Переходный период

Сведений о частной жизни Рембрандта в 1640-е гг. в документах сохранилось мало. Из учеников этого периода известен только Николас Маес из Дордрехта. Видимо, художник продолжал жить на широкую ногу, как прежде. Семейство покойной Саскии высказывало озабоченность тем, как он распорядился её приданым. Няня Титуса, Гертье Диркс, подала на него в суд за нарушение обещания жениться; ради улаживания этого инцидента художнику пришлось раскошелиться.

В конце 1640-х Рембрандт сошёлся со своей молодой служанкой Хендрикье Стоффелс, образ которой мелькает во многих портретных работах этого периода («Девушка у окна», «Купающаяся женщина», «Женщина в постели»). Приходской совет осудил Хендрикье за «греховное сожительство», когда в 1654 году у неё с художником родилась дочь Корнелия. В эти годы Рембрандт отходит от тем, имеющих грандиозное национальное либо общечеловеческое звучание. Живописные работы этого периода немногочисленны; автопортреты и вовсе неизвестны.

Художник подолгу работает над гравированными портретами бургомистра Яна Сикса (1647) и других влиятельных бюргеров. Все известные ему приёмы и техники гравировки пошли в ход при изготовлении тщательно проработанного офорта «Христос, исцеляющий больных», более известного как «Лист в сто гульденов», — именно столько выручил за него художник на аукционе. Над этим офортом, поражающим тонкостью светотеневой игры, он работал шесть лет, с 1643 по 1649 годы. До 1660 года продолжалась работа над последним офортом Рембрандта, «Три креста» (не закончен).
«Святое семейство» (1645, Эрмитаж).

В годы жизненных невзгод внимание художника привлекают пейзажи с нахмуренными облаками, шквальным ветром и прочими атрибутами романтически взволнованной природы в традициях Рубенса и Сегерса. К жемчужинам рембрандтовского реализма принадлежит «Зимний пейзаж» 1646 года. Однако вершиной мастерства Рембрандта-пейзажиста были не столько живописные работы, сколько рисунки и гравюры, такие как «Мельница» (1641) и «Три дерева» (1643). Он осваивает и другие новые для себя жанры — натюрморт (с дичью и освежёванными тушами) и конный портрет (хотя, по общему мнению, лошади Рембрандту никогда не удавались).

Поэтическое истолкование в эти годы получают сцены повседневной домашней жизни, каковы два «Святых семейства», 1640 и 1645 годов. Вкупе с «Прощанием Давида и Ионафана» (1642), «Поклонением пастухов» (1646) и «Отдыхом на пути в Египет» (1647) они позволяют говорить о наметившейся у Рембрандта тенденции к идеализации патриархального уклада семейной жизни. Эти работы согреты тёплыми чувствами родственной близости, любви, сострадания. Светотень в них достигает не виданного прежде богатства оттенков. Колорит особенно тёплый, с преобладанием мерцающих красных и золотисто-коричневых тонов.

Поздний Рембрандт

В 1653 году, испытывая материальные трудности, художник передал почти всё своё имущество сыну Титусу, после чего заявил в 1656 г. о банкротстве. После распродажи в 1657-58 гг. дома и имущества (сохранился интересный каталог художественного собрания Рембрандта) художник перебрался на окраину Амстердама, в еврейский квартал, где провёл остаток жизни. Самым близким к нему человеком в те годы, по-видимому, оставался Титус; именно его изображения наиболее многочисленны. На одних он предстаёт принцем из волшебной сказки, на других — сотканным из солнечных лучей ангелом. Смерть Титуса в 1668 году стала для художника одним из последних ударов судьбы; его самого не стало годом позже.
Здесь художник изобразил себя в виде апостола Матфея, а сына — как вдохновляющего его ангела.

Отличительная черта рембрандтовского творчества 1650-х — ясность и монументальность крупнофигурных композиций. Характерна в этом отношении работа «Аристотель перед бюстом Гомера», исполненная в 1653 году для сицилийского аристократа Антонио Руффо и проданная в 1960 году его наследниками американскому музею за рекордную на тот момент сумму в два с лишним миллиона долларов. Аристотель погружён в глубокое раздумье; внутренний свет, кажется, исходит от его лица и от бюста Гомера, на который он возложил свою руку. Парное с «Аристотелем» изображение Александра Македонского сохранилось фрагментарно.

Если на полотнах 1650-х годов число фигур никогда не превышает трёх, то в последнее десятилетие своей жизни Рембрандт возвращается к созданию многофигурных композиций. В двух случаях это были крупные и престижные заказы. Групповой портрет «Синдики» (1662), несмотря на естественность поз, оживлённость мимики и спаянность композиционного решения, представляет собой шаг назад по сравнению с бескомпромиссным натурализмом «Ночного дозора». Монументальная героическая фреска «Заговор Юлия Цивилиса» (1661) создавалась для новой Амстердамской ратуши, но по каким-то причинам не удовлетворила заказчиков и не была оплачена. Фрагмент картины, сохранившийся в Стокгольме, поражает суровым реализмом и неожиданными вспышками светлых красок на фоне окружающей тьмы.

Последние два десятилетия жизни Рембрандта стали вершиной его мастерства как портретиста. Моделями выступают не только товарищи художника (Николас Брейнинг, 1655; Герард де Лересс, 1665; Йеремиас де Деккер, 1666), но и безвестные солдаты, старики и старухи — все те, кто подобно автору прошёл через годы горестных испытаний. Их лица и руки озарены внутренним духовным светом. Парадный портрет Яна Сикса (1654), натягивающего на руку перчатку, выделяется редкостной гармонией колорита, широтой пастозных мазков. Внутреннюю эволюцию художника передаёт череда автопортретов, раскрывающая зрителю мир его сокровенных переживаний. К серии автопортретов примыкает вереница изображений умудрённых жизнью апостолов; нередко в лице апостола угадываются черты самого художника.
Рембрандтовские старики

Художественный гений Рембрандта развивался по восходящей. Его последние работы представляют собой уникальное явление в истории живописи. Секрет их липких, как бы стекающих по холсту красок до сих пор не разгадан. Фигуры монументальны и нарочито приближены к передней плоскости холста. Художник останавливается на редких библейских сюжетах, поиск соответствий которым в Библии до сих пор занимает исследователей его творчества. Его влекут такие моменты бытия, когда человеческие переживания проявляются с наибольшей силой.

Глубокое драматическое напряжение свойственно таким работам, как «Ассур, Аман и Эсфирь» (1660) и «Отречение апостола Петра» (1660). По технике исполнения им созвучны последние картины, объединённые семейной темой, — неоконченное «Возвращение блудного сына» (1666), семейный портрет из Брауншвейга (1669) и т. н. «Еврейская невеста» (1665). Датировка всех этих произведений условна, обстоятельства их создания окружены тайной. Исследователи с трудом подбирают слова для описания их густых «переливающихся и тлеющих в золотистой мгле красок», нанесённых на холст шпателем, или мастихином[3]:


Активное действие отсутствует, статичные, внешне сдержанные персонажи, подчас окутанные сиянием парчовых одежд, выступают из окружающего их затенённого пространства. Господствующие темные золотисто-коричневые тона подчиняют себе все краски, среди которых особая роль принадлежит горящим изнутри, подобно тлеющим углям, оттенкам красного. Густые рельефные мазки, пронизанные движением светоносной красочной массы, сочетаются в затенённых зонах с написанными тонким слоем прозрачными лессировками. Фактура красочной поверхности произведений позднего Рембрандта кажется мерцающей драгоценностью. Волнующая человечность его образов отмечена печатью таинственной красоты.

Рембрандт скончался 4 октября 1669 года в Амстердаме. Похоронили его в амстердамской Вестеркерк. На предпоследнем автопортрете черты автора, поражённого смертью сына, искажены горькой усмешкой, однако в самом последнем автопортрете он, несмотря на бросающуюся в глаза физическую немощь, спокойно смотрит в лицо судьбе. Всего за свою жизнь Рембрандт создал около 400 картин, 300 гравюр, 1400 рисунков и 300 офортов. Достижения Рембрандта-рисовальщика не уступают его достижениям в области живописи; особенно ценятся его поздние рисунки, выполненные тростниковым пером.
Посмертная слава

Человечеству понадобилось два столетия, чтобы в полной мере оценить вневременной масштаб рембрандтовского гения. Хотя ещё Джованни Кастильоне и Джованни Баттиста Тьеполо вдохновлялись его офортами[3], смелость Рембрандта-живописца и меткость его наблюдений в качестве рисовальщика впервые получили признание в XIX веке, когда художники реалистической школы Курбе (а в России — передвижники) противопоставили его глубоко прочувствованную поэзию света и тени беспрекословной чёткости и ясности французского академизма.
Знаменитый офорт «Мельница» (1641).

Ещё сто лет назад самым большим собранием рембрандтовских полотен мог похвастаться Императорский Эрмитаж, однако в XX веке часть этого собрания была распродана, некоторые картины были переданы в Пушкинский музей, авторство других было оспорено. В течение всего XX века голландцы вели кропотливую работу по скупке полотен Рембрандта и их возвращению на родину; в результате этих усилий наибольшее число картин Рембрандта можно ныне увидеть в амстердамском Рейксмюсеуме. В амстердамском доме художника с 1911 года также действует музей, где выставлены преимущественно офорты.
Проблемы атрибуции

Основная статья: Исследовательский проект Рембрандт

Одной из неразрешимых проблем для исследователя творчества Рембрандта до последнего времени оставалось огромное число копий и реплик с его полотен, которые с незапамятных времён проходили в каталогах под его именем. Так, например, известно десять версий картины «Иуда возвращает тридцать серебреников», которые невозможно однозначно атрибутировать определённому художнику. В 1968 году в Амстердаме заработал Исследовательский проект Рембрандт, поставивший своей целью составление критически выверенного реестра произведений Рембрандта с использованием новейших техник атрибуции. За годы его работы число атрибутируемых Рембрандту полотен сократилось до 350 единиц. Скажем, из 12 картин, выставлявшихся в Собрании Уоллеса под именем великого художника, проект подтвердил рембрандтовское авторство только одной. Успех проекта сподвиг учёных на подобные исследования в отношении других художников, в частности, Тициана.
Ученики:

* Фердинанд Боль (с 1631 по 1637 годы)
* Филипс Конинк
* Самюэл ван Хогстратен
* Николас Маес
* Виллем Дрост
©

Получить код этого сета
Изобразительное искусство стран БенилюксаИзобразительное искусство стран БенилюксаИзобразительное искусство стран БенилюксаИзобразительное искусство стран БенилюксаИзобразительное искусство стран Бенилюкса
Изобразительное искусство стран БенилюксаИзобразительное искусство стран Бенилюкса









Это сообщение отредактировал i9o8 - 16-08-2009 - 15:37
Мужчина i9o8
Женат
15-07-2009 - 16:06
Загрузить свои фото
Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Винсе́нт Виллем ван Гог (нидерл. Vincent Willem van Gogh, 30 марта 1853, Грот-Зюндерт, около Бреды, Нидерланды — 29 июля 1890, Овер-сюр-Уаз, Франция) — всемирно известный нидерландский художник-постимпрессионист.

Биография

Винсент ван Гог родился в 11 часов утра 30 марта 1853 года в деревушке Грот-Зюндерт (нидерл. Groot Zundert) в провинции Северный Брабант на юге Нидерландов, недалеко от бельгийской границы. Отцом Винсента был Теодор ван Гог, протестантский пастор, а матерью — Анна Корнелия Карбентус, дочь почтенного переплётчика и продавца книг из Гааги. Винсент был вторым из семи детей Теодора и Анны Корнелии. Своё имя он получил в честь деда по отцовской линии, который также всю свою жизнь посвятил протестантской церкви. Это имя предназначалось для первого ребёнка Теодора и Анны, который родился на год раньше Винсента и умер в первый же день. Так Винсент, хотя и был рождён вторым, стал старшим из детей.

Четыре года спустя после рождения Винсента, 1 мая 1857 года, родился его брат Теодорус ван Гог (Тео). Помимо него, у Винсента был брат Кор (Корнелис Винсент, 17 мая 1867) и три сестры — Анна Корнелия (17 февраля 1855), Лиз (Элизабет Губерта, 16 мая 1859) и Вил (Виллемина Якоба, 16 марта 1862). Домашние помнят Винсента как своенравного, трудного и нудного ребёнка со «странными манерами», что было причиной его частых наказаний. По словам гувернантки, было в нем что-то странное, что отличало его от других: из всех детей Винсент был ей менее приятен, и она не верила, что из него может выйти нечто стоящее. Вне семьи, напротив, Винсент показывал обратную сторону своего характера — был тихим, серьёзным и задумчивым. Он почти не играл с другими детьми. В глазах односельчан он был добродушным, дружелюбным, предупредительным, сострадательным, милым и скромным ребёнком. Когда ему исполнилось 7 лет, он пошёл в деревенскую школу, но через год его забрали оттуда, и вместе со своей сестрой Анной он обучался дома, у гувернантки. 1 октября 1864 года он уехал в школу-интернат в Зевенберген, 20 км от родного дома. Отъезд из дома причинил много страданий Винсенту, он не мог забыть этого, даже будучи взрослым. 15 сентября 1866 года он начинает обучение в другом интернате — колледже Виллема II в Тилбурге. Винсенту хорошо даются языки — французский, английский, немецкий. Там же он получал уроки рисования. В марте 1868 года, посреди учебного года, Винсент неожиданно бросил школу и возвращается в отчий дом. На этом заканчивается его формальное образование. О своём детстве он вспоминал так: «Моё детство было мрачным, холодным и пустым…».

В июле 1869 года Винсент устраивается на службу в гаагский филиал крупной художественно-торговой фирмы Goupil & Cie, владельцем которого являлся его дядя Винсент («дядя Цент»). Там он получил необходимое обучение в качестве дилера. В июне 1873 года его перевели в Лондонский филиал Goupil & Cie. Благодаря ежедневному контакту с произведениями искусства Винсент начал разбираться в живописи и ценить её. Помимо этого, он посещал городские музеи и галереи, любуясь работами Жана-Франсуа Милле и Жюля Бретона. В Лондоне Винсент становится успешным дилером, и в возрасте 20 лет зарабатывает уже больше, чем его отец. Здесь же он влюбился в дочь хозяйки дома, у которой он снимал комнату, Урсулу Лойер, но когда Винсент признался ей в своих чувствах, она отвергла его, объяснив это тем, что она уже помолвлена. Это событие потрясло и разочаровало Винсента; постепенно он потерял интерес к своей работе и начал обращаться к Библии. В 1874 году Винсента перевели в Парижский филиал фирмы, но после трёх месяцев работы он снова уезжает в Лондон. Дела у него шли всё хуже, и в мае 1875 он опять был переведён в Париж. Здесь он посещал выставки в Салоне и Лувре. В конце марта 1876 года его уволили из фирмы Goupil & Cie. Движимый состраданием и желанием быть полезным своим ближним, он решил стать священником.

В 1876 году Винсент возвратился в Англию, где он нашёл неоплачиваемую работу в качестве учителя в интернате в Рэмсгейте. В июле Винсент перешёл в другую школу — в Айслворте (под Лондоном), где он выполнял работу учителя и помощника пастора. 4 ноября Винсент прочитал свою первую проповедь. Его интерес к Евангелию рос, и он загорелся идеей проповедовать беднякам.

На Рождество Винсент поехал домой, и родители уговорили его не возвращаться в Англию. Винсент остался в Нидерландах и в течение полугода работал в книжном магазине в Дордрехте. Эта работа была ему не по душе; большую часть времени он проводил, делая наброски или переводя отрывки из Библии на немецкий, английский и французский. Пытаясь поддержать стремление Винсента стать пастором, семья посылает его в мае 1877 в Амстердам, где он поселился у своего дяди, адмирала Яна ван Гога. Здесь он усердно занимался под руководством своего дяди Йоганесса Стрикера, уважаемого и признанного теолога, готовясь к сдаче вступительного экзамена в университет на отделение теологии. В конце концов он разочаровался в учёбе, бросил свои занятия и в июле 1878 уезхал из Амстердама. Желание быть полезным простым людям направило его в Протестантскую миссионерскую школу в Лакене под Брюсселем, где он прошёл трёхмесячный курс проповеди.

В декабре 1878 его направили на полгода миссионером в Боринаж, бедный шахтёрский район на юге Бельгии. Видя нищету и безысходное положение шахтёров и их семей, Винсент отказался от всех удобств и жил подстать шахтёрам. Он спал на полу в полуразвалившейся, почти неотапливаемой лачуге, жил впроголодь, раздавал своё имущество нуждающимся и тратил своё жалованье на лекарства и еду для шахтёров. Руководство церкви было шокировано таким непомерным участием Винсента в жизни шахтёров и освободило Винсента от миссионерской деятельности за то, что он подрывал достоинство духовенства. Несмотря на распоряжение, Винсент, слабый и больной, всё-таки продолжил миссионерскую деятельность.

В 1880-х Ван Гог обратился к искусству, посещал Академию художеств в Брюсселе (1880—1881) и Антверпене (1885—1886), пользовался советами живописца А. Мауве в Гааге, с увлечением рисовал шахтёров, крестьян, ремесленников. В серии картин и этюдов середины 1880-х гг. («Крестьянка», 1885, музей Крёллер-Мюллер, Оттерло; «Едоки картофеля», 1885, Государственный музей Винсента ван Гога, Амстердам), написанных в тёмной живописной гамме, отмеченных болезненно-острым восприятием людских страданий и чувства подавленности, художник воссоздавал гнетущую атмосферу психологической напряжённости.

В 1886-1888 Ван Гог жил в Париже, посещал частную художественную студию, изучал живопись импрессионизма, японскую гравюру, синтетические произведения Поля Гогена. В этот период палитра Ван Гога стала светлой, исчезли землистого оттенка краски, появились чистые голубые, золотисто-жёлтые, красные тона, характерный для него динамичный, как бы струящийся мазок («Мост через Сену», 1887, Государственный музей Винсента ван Гога, Амстердам; «Папаша Танги», 1887, Музей Родена, Париж).

В 1888 году Ван Гог переехал в Арль, где окончательно определилось своеобразие его творческой манеры. Пламенный художественный темперамент, мучительный порыв к гармонии, красоте и счастью и, одновременно, страх перед враждебными человеку силами, находят воплощение то в сияющих солнечными красками юга пейзажах («Жатва. Долина Ла-Кро», 1888, Государственный музей Винсента ван Гога, Амстердам), то в зловещих, напоминающих ночной кошмар образах («Ночное кафе», 1888, музей Крёллер-Мюллер, Оттерло); динамика цвета и мазка наполняет одухотворённой жизнью и движением не только природу и населяющих её людей («Красные виноградники в Арле», 1888, Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Москва), но и неодушевлённые предметы («Спальня ван Гога в Арле», 1888, Государственный музей Винсента ван Гога, Амстердам).

Напряжённая работа Ван Гога в последние годы сопровождалась приступами психической болезни, которая привела его в больницу для душевнобольных в Арле (врачи поставили диагноз "эпилепсия височных долей"), затем в Сен-Реми (1889—1890) и в Овер-сюр-Уаз, где он покончил жизнь самоубийством 29 июля 1890 года, смертельно ранив себя выстрелом из пистолета. По словам брата Тео (Theo), который был при Винсенте в его смертные минуты, последними словами художника были: La tristesse durera toujours («Печаль будет длиться вечно»).

В честь Ван Гога назван кратер на Меркурии.
©

Получить код этого сета
Изобразительное искусство стран БенилюксаИзобразительное искусство стран БенилюксаИзобразительное искусство стран БенилюксаИзобразительное искусство стран БенилюксаИзобразительное искусство стран Бенилюкса
Изобразительное искусство стран Бенилюкса









Это сообщение отредактировал i9o8 - 15-07-2009 - 16:08
Женщина Vassalina
Замужем
24-09-2009 - 10:16
когда смотрю картину ван Гога ..Подсолнухи..то всё время вспоминаю одну историю маленькую..
когда некий человек смотря на неё сказал..Я ЭТУ КАРТИНУ нефиг ДЕЛАТЬ СКОПИРУЮ...
на что все удивлённо и возмущённо обратились к нему ..
-ты художник?
-нет!..ответил он
-так как же ты скопируешь?
-а что там копировать ,раз мазнул,два мазнул.. !

конечно возмущений не было приделу.
я не знаток живописи ,но люблю картины..смотреть на них ..на работу и характер ..я восхищаюсь усердием человека ,который передаёт видимое им ..
Мужчина муркотик
Свободен
21-01-2010 - 17:16
Возрождение по-голландски

В течение первых десятилетий 16 в. живопись в Нидерландах претерпевала сложные изменения, в результате которых оказались окончательно изжитыми принципы искусства 15 в. и получили развитие (впрочем, несравненно менее плодотворное, чем в Италии) черты Высокого Возрождения. Хотя художественные достоинства живописи 16 в., за исключением Брейгеля, не достигают уровня 15 столетия, в историко-эволюционном отношении ее роль оказалась весьма значительной. В первую очередь это определяется приближением искусства к более прямому, непосредственному отражению действительности.

Самодовлеющий интерес к конкретной реальности в равной мере приводил к открытию новых, перспективных путей и методов и к сужению кругозора живописца. Так, концентрируя мысль на повседневной реальности, многие живописцы приходили к решениям, лишенным широкого обобщающего значения. Однако там, где художник был тесно связан с основными проблемами времени, чутко преломляя в своем творчестве основные противоречия эпохи, этот процесс давал необычайно значительные художественные результаты, примером чему может служить творчество Питера Брейгеля Старшего.

В экономическом отношении жизнь Нидерландов начала века характеризуется бурным расцветом. Открытие Америки поставило страну в средоточие международной торговли. Активно протекал процесс вытеснения цехового ремесла мануфактурой. Развивалось производство. Антверпен, затмив Брюгге, стал крупнейшим центром транзитной торговли и денежных операций. В городах Голландии жила почти половина всего населения этой провинции. Руководство экономикой перешло в руки так называемых новых богачей — лиц влиятельных не принадлежностью к городскому патрициату, цеховой верхушке, но только своей предприимчивостью и богатством.

Буржуазное развитие Нидерландов стимулировало общественную жизнь. Воззрения крупнейшего философа, педагога и т. п. Эразма Роттердамского последовательно рационалистичны и гуманистичны. Большим успехом пользуются различные протестантские вероучения и прежде всего кальвинизм с его духом практического рационализма. Все больше раскрывается роль человека в общественной эволюции. Усиливаются национально-освободительные тенденции. Активизируются протест и недовольство народных масс, и последняя треть века ознаменована мощным подъемом — нидерландской революцией.

Названные факты совершенно видоизменили мировосприятие художников.

Живопись 16 в. можно рассматривать по трем этапам. Начальный, захватывающий первые три десятилетия, связан со сложными процессами осознания нового положения человека в жизни, с более высокой ступенью сложения раннего капитализма и характеризуется крайним многообразием исканий и разноречивостью методов. В стадиальном отношении он соответствует Высокому Возрождению в Италии.

Второй этап, завершающийся к 1570 г., отмечен зрелостью нового мировоззрения и наиболее заметными успехами реалистических тенденций, а наряду с тем — активизацией противоположных направлений и открытым противопоставлением этих двух линий в развитии искусства. По существу, это время кризиса Ренессанса.

Третий период, обнимающий последнюю треть века, определяется полным исчезновением возрожденческих принципов и зарождением основ искусства 17 века.
Мужчина муркотик
Свободен
21-01-2010 - 17:23
Квентин Массейс (род. в 1465 или 1466 г. в Лувепе, ум. в 1530 г. в Антверпене).

Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Ранние произведения Квентина Массейса несут отчетливый отпечаток старых традиций. Первая значительная его работа — триптих, посвященный св. Анне (1507 — 1509; Брюссель, Музей). Сцены на внешних сторонах боковых створок отличаются сдержанным драматизмом. Мало разработанные в психологическом отношении образы величественны, фигуры укрупнены и тесно составлены, пространство кажется уплотненным. В раскрытом виде алтарь более гармоничен — свободнее расположение действующих лиц, выявлена спокойная размеренность ритма и композиции. В основе концепции Массейса лежит стремление косвенно, чаще всего при помощи художественно-формальных средств, возвысить образ человека.

Изобразительное искусство стран Бенилюкса

В следующей своей работе — «Оплакивании» (1509—1511; Антверпен, Музей) он ужо не ограничивается общей экспозицией образов; он пытается ввести в композицию действие, конкретнее раскрыть переживания героев. Не видя, однако, в чем кроется истинное величие человека, он не может органично разрешить эту задачу и совместить ее решение с достоинствами алтаря св. Анны.

Художник приходит к решениям нервным и сбивчивым, что обычно объясняется готическими пережитками. Правильнее, однако, видеть здесь результат слияния двух еще недостаточно отстоявшихся тенденций: стремления возвеличить образ человека и другой тенденции, связанной с попытками представить ситуацию в ее жизненной естественности. Во всяком случае, этот же алтарь представляет обе эти тенденции и порознь; образы обобщенные соседствуют с гротескно характерными.

Тяготение к жизненно-реальному началу привело Массейса к созданию одной из первых в искусстве нового времени жанровых, бытовых картин. Мы имеем в виду «Менялу с женой» (1514; Париж, Лувр).

Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Вместе с тем постоянно сохранявшийся у художника интерес к обобщенной трактовке действительности побудил его (быть может, первого в Нидерландах) обратиться к искусству Леонардо да Винчи («Мария с младенцем»; Познань, Музей), хотя здесь можно говорить скорее о заимствованиях или о подражании.

В творчестве Массейса обе названные тенденции выступают совместно или преобладая одна над другой. В тех же случаях, когда стремление к конкретности господствует безраздельно, можно заметить, что в реальности его привлекают явления исключительные или единичные. Это — крайние проявления или уродства, или характерности (портрет старика; Париж, Музей Жакмар-Андрэ).

Изобразительное искусство стран Бенилюкса

В тех же случаях, когда обе тенденции синтезируются, они или служат выражению жизненной энергии людей (что имело место уже в «Оплакивании»), или используются для передачи душевной сферы человека («Св. Магдалина»; Антверпен, Музей).

Такой синтез особенно часто достигался Массейсом в области портрета. Портреты Эразма Роттердамского (Рим, дворец Корсини) и его друга Петра Эгидия (Солсбери, собрание Раднор), портрет Этьена Гардинера из галлереи Лихтенштейн в Вадуце и другой — глубокий, со сложным внутренним состоянием — из Штеделевского института во Франкфурте принадлежат к числу лучших образцов Этого жанра. В портрете, как и в ряде других работ, Массейс достигает особенных успехов при передаче общей, не расчлененной на отдельные чувства и качества, одухотворенности образа.

В своей переработке основ нидерландской живописи Массейс во многом учитывает традицию. Одновременно с ним работали мастера, предпочитавшие более решительное обновление искусства, — так называемые романисты.

Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Это сообщение отредактировал муркотик - 28-01-2010 - 16:03
Мужчина муркотик
Свободен
21-01-2010 - 17:48
ХЕМЕССЕН Ян Сандерс
Hemessen, Jan Sanders van

Также предположительно Монограммист Брауншвейгский
(ок. 1500, Хемиксен - ок. 1565, Харлем)


Хемессен учился в Антверпене у Хендрика ван Клеве в 1519; в 1524 стал мастером. Вероятно, около 1551 он переехал в Харлем; возможно так-же, что около 1530 он был в Италии.

Некоторые исследователи отождествляют его с Монограммистом из Брауншвейга. Подписные работы Хемессена датируются 1531-1557. Наряду с Артсеном, Бекеларом и ван Роймерсвале, он принадлежит к группе антверпенских художников, которые в своем творчестве вдохновлялись образами повседневности. Художник-реалист, он актуализирует свои сюжеты, секуляризируя религиозные сцены. Его творчество носило монументальный характер, с явно выраженным объемом, смелыми ракурсами, беспорядочными движениями, гротескными деталями, интенсивными и контрастными цветами, порой дисгармоничными. Благодаря его манере и пластичности его языка, Хемессена часто считают одним из предшественников Питера Брейгеля.

Самая ранняя известная нам его картина - Св. Иероним (Лиссабон, Нац. музей старинного искусства) - исполнена в 1531; уже здесь проявляется интерес к ракурсам и своеобразие стиля, драматичного и монументального. Эти черты в меньшей степени характерны для картины Поклонение волхвов (1534, Великобритания, Кор. собрание), напоминающей работы его антверпенских современников.

Индивидуальность мастера гораздо больше заметна в композиции Блудный сын (1536, Брюссель, Кор. музей изящных искусств), в которой евангельская притча сведена к народной, полуанекдотичной сцене - блудный сын изображается в борделе, в кругу девиц и испорченных юнцов.

Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Художник изображает персонажей на первом плане картины, по пояс, очень крупно. В композиции он отказывается от классического порядка - беспорядочность для него есть отражение реальности: живость повествования, подлинность деталей, материальность предметов и персонажей. Тщательность исполнения противоречит здесь монументальной концепции целого. Теже черты присущи и картине Призвание апостола Матфея (1536, Мюнхен, Старая пинакотека), в которой Хемессен изображает комнату сборщика налогов. Вместе с тем, новые элементы не использованы в таких композициях художника, как Сусанна и старцы (1540, продана в Париже в 1925), Св. Семейство (1541, Мюнхен, Старая пинакотека), Св. Иероним (1541, Прага, Нац. гал), Сусанна и старцы (Барселона, частное собрание), Кающийся св. Иероним (Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж).

Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Однако коренные изменения происходят в работах, датированных 1544, в особенности, Ессе homo (Дюссельдорф, Художественный музей) и Богоматерь с младенцем (Стокгольм, Нац. музей), где художник впервые организует пространство не только расположением персонажей, но и разработкой пейзажного плана. В картине Исаак, благословляющий Иакова (1551, Швеция, Эстерби), Хемессен, по примеру итальянских маньеристов, увеличивает размеры фигур, которые, благодаря ракурсам и световым эффектам, словно выходят за рамки холста. Подобные ракурсы можно видеть и в работе Исцеление Товита (1555, Париж, Лувр). Хаотичная композиция и тяжеловесность большой картины Изгнание торгующих из храма (1555, Нанси, Музей изящных искусств), казалось бы, возвещают творческий упадок художника.

Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Сюжетом его последней картины вновь стал св. Иероним (1557, Лондон, частное собрание). Помимо этих подписных и датированных работ, Хемессену приписывается ряд произведений, среди которых - Веселая компания (Карлсруэ, Кунстхалле), близкая картине Блудный сын (Брюссель, Кор. музей изящных искусств), как по морализаторскому изображению трех возрастов жизни человека, так и по своему стилю и тщательному исполнению.

Изобразительное искусство стран Бенилюкса Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Это сообщение отредактировал муркотик - 28-01-2010 - 17:01
Мужчина муркотик
Свободен
31-01-2010 - 16:39
Лука Лейденский (ок. 1489, Антверпен - 1533 Лейден)
Lucas van Leyden

В ранних гравюрах (он был прославлен как мастер гравюры, и с его деятельностью связаны первые большие успехи резцовой' гравюры в Нидерландах) он не только точен в передаче реальности, но и стремится создать целостную и выразительную сцену. При этом, в отличие от своих голландских современников (например, Мастера из Алькмара), Лука добивается острой психологической экспрессии. Таковы его листы «Магомет с убитым монахом» (1508) и особенно «Давид и Саул» (около 1509 г.). Образ Саула (во втором из названных произведений) отличается исключительной для того времени сложностью: здесь и безумие — еще длящееся, но и начинающее отпускать измученную душу царя, и одиночество, и трагическая обреченность. Эмоциональность этого решения в большей мере создается формальными средствами — композицией (Саул кажется изолированным и сжатым композиционными линиями), степенью конкретности в обрисовке действующих лиц Гот заднего плана к Давиду идет нарастание бытовых черт, чтобы в образе Саула резко смениться напряженным драматизмом) и, наконец, сопоставлением противоположных в своей выразительности деталей (один глаз Саула — устремленный вдаль, агрессивный, взгляд другого безвольный, волнующий, темный, пристальный).

Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Характерным для этого периода творчества Луки следует считать решительное обращение к реальности и одновременно усиленное подчинение ее художественной концепции произведения. Чисто жанровые мотивы служат особой задаче— попытке выделить движения души, представить их в крайнем, до предела обостренном выражении. Последнее придает психологическим опытам Луки странную двойственность: их волнующая экспрессивность сочетается с черствой, иногда даже жесткой досказанностью. Не владеющий еще искусством создания индивидуальных характеров, он превращает своих, казалось бы, вполне реальных героев в средство для воплощения определенных эмоций. В его интересе к психологическим мотивам — стремление сделать очевидной объективную силу душевного движения как такового, его сложность и противоречивость.

Огромный шаг вперед в приближении к конкретной действительности виден в его работах жанрового порядка («Игра в шахматы», Берлин; «Жена приносит Потифару одежды Иосифа», Роттердам, Музей Боймансван Бейнинген), но и здесь бытовое начало выделяется художником скорее как некая отвлеченная, самостоятельная категория.

Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Аналогична проблематика портрета. В автопортрете Луки Лейденского (Брауншвейг, Музей) создан один из самых жизненно достоверных образов эпохи. А упомянутая выше кенцепционность, подчеркнутость реального начала сообщила этому образу и другое ценное качество — его бюргерский характер утверждается художником с программным, вызывающим пафосом.

Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Но с особенной силой «концепционная реалистичность» Луки проявилась в одной из его наиболее глубоких работ — гравюре «Коровница» (1510). Натурные впечатления здесь выражены с грубой правдивостью. Но геометрически четкое, ритмизированное расположение коров и сложное подчинение всех деталей системе вертикальных осей приносит в этот лист дух безупречной строгости и соразмерности. Тяжеловесно-внушительной фигуре парня и грубоватой, но не лишенной изящества коровнице придана соответствующая ритмическая среда — в первом случае прямолинейная и четкая, во втором построенная на искривленных формах.

Их фигуры застыли, и жесты устойчивы. И все же Лука Лейденский передает взаимосвязь своих героев — при помощи плавной бегущей линии далеких гор и нескольких других композиционных приемов ему удается выразить и чувства парня и кокетливость девушки и установить контакт между этими, казалось бы, совершенно разъединенными фигурами.

Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Лука Лейденский, с редкой остротой передавая окружающую его действительность, избегает жанровых решений и старается монументализировать реальность. В «Коровнице» он достигает известной гармонии — обобщение реальности придает ей черты монументальности, но не уводит в условность.

Следующие десять лет его творчества этой гармонии лишены.

Он органичнее вводит частные наблюдения, усиливает жанрово-повествовательный элемент, но тут же нейтрализует его настойчивым выделением какого-либо одного действующего лица — погруженного в себя и как бы выключенного из бытовой среды.

Взволнованный и нервозный эмоциональный тон «Св. Антония» (1511; Брюссель, Музей), введение в, казалось бы, повседневную «Игру в карты» (ок. 1514 г.; Уилтон-хауз, собрание Пемброк), загадочной в своем отвлеченном, неопределенном состоянии центральной фигуры, наконец, переделка «Мадонны с младенцем и ангелами» Мемлинга, где в идеальный образ 15 в. внесены ноты безнадежности (Берлин),— все это свидетельствует о новом этапе в искусстве Луки.

Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Естественное единство моментов бытовых и обобщенных обретает напряженность. Художник усиливает в своих работах роль конкретной действительности. Вместе с тем нарастание нервозности трактовки образов говорит об утрате прежней ясности миревосприятия. Однако нельзя не отметить и другого — в работах этоге периода представление о реальности как о замкнутой в себе, изолированной данности уступает место чувству жизни как целостного, глубокого и сложного явления. И произведения 1510-х гг. отличает не только возбужденность, но и оттенок непосредственной человечности.

Наиболее полное выражение названных черт несет в себе «Проповедь в церкви» (Амстердам, Рейксмузей). Мастер четко выделяет три компонента: бытовую сцену проповеди, пространство церкви — пустое, эмоционально-насыщенное, тянущееся— и фигуру мужчины с шляпой в руках, привлекающую внимание зрителя сдержанным, отвлеченным от среды выражением и высоким внутренним достоинством. Образ и жанр здесь обострены, обнажены и соединены искусственным построением всей сцены. Здесь и почти исследовательский интерес к жизни, и известная растерянность, колебания, вызванные вопросом, не осмыслявшимся современниками художника в такой отчетливой форме,— в чем же значительность человека.

Изобразительное искусство стран Бенилюкса

«Проповеди в церкви» близок по времени мужской портрет (ок. 1520 г.; Лондон, Национальная галлерея), где холодной решительности взгляда придан оттенок крайней, взволнованной искренности. В этом портрете еще очевиднее, чем в «Проповеди в церкви», что Луку интересует уже не узкожанровая или статически неподвижная реальность, но жизнь как сложный, длящийся процесс. Образу приданы интонации, немыслимые при прежнем понимании реальности (чему в немалой степени соответствует цветовая гамма: зеленый фон, холодное бескровное лицо, бесцветные губы).

Однако здесь Луку Лейденского подстерегали задачи, на том этапе в нидерландской культуре практически неразрешимые. Его ощущение жизненного процесса в конечном итоге вело к нивелированию личности; для ее героического возвеличивания сам он не видел фундамента, а для самодовлеющего ее утверждения ему не хватало представления о целостном духовном мире индивидуальности. Мастер оказался в тупике, и третий период его творчества, 1520-е годы,— это трагические по своей бесперспективности попытки найти выход.

В «Благовещении» (часть диптиха, 1522; Мюнхен, Пинакотека) и «Марии с младенцем» (Амстердам, Рейксмузей) фигуры вовлекаются в неопределенное, всепронизывающее движение, выражающее ужо не жизненную текучесть, но только иррациональное, безликое беспокойство. Наряду с ростом нервозности появляются ноты саркастические, почти издевательские (то же «Благовещение», гравюра 1525 г. «Вергилий в корзине»). Изверившись в своих прежних исканиях, мастер обращается к романизму.

В алтаре со «Страшным судом» (1521—1527; Лейден, Музей) фигуры грешников и праведников бесспорно обладают значительностью (чем дальше от них вверх — вплоть до комичного своим бытовым характером крошечного бога-отца,— тем быстрее эта значительность убывает). Но не случайно художник сдвигает Эти фигуры к боковым створкам и в центре композиции остаются только пустынные круглящиеся просторы земли. Попытки монументально-героизированного решения терпят крах. Лейденский алтарь, являясь одним из самых заметных произведений нидерландской живописи, одновременно свидетельствует об обреченности исканий его создателя.

Последние две работы Луки Лейденского говорят о душевном кризисе: «Мария с младенцем» (Осло, Музей) — это чисто формальная идеализация, «Исцеление слепого» (1531; Эрмитаж) — сочетание маньеристических преувеличений и натуралистически бытовых деталей.

Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Творчество Луки Лейденского замыкает искусство первой трети века. Уже в начале 1530-х гг. нидерландская живопись вступает на новые пути.
Мужчина муркотик
Свободен
12-02-2010 - 16:43
Босх Иеронимус. Босх ван Акен. Иероним Босх
Hiëronymus Bosch, Jheronimus Bosch
(1450?-1516)
Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Нидерландский художник Два поколения семьи Босх, возможно происходящей из Ахена, жили в Хертогенбосе; дед Босха Ян и отец Антон ван Акен были художниками. Известно,что в 1481 Босх сочетался браком с дочерью зажиточного горожанина Г.ван дер Мервема, однако у них не было детей. В 1486 он вступил в братство Богоматери, тем не менее принадлежность к этой религиозной группе не дает ответа на вопрос об источниках его художественного вдохновения. Редкие упоминания о его заказах (в 1488-1489 по заказу братства, Богоматери Босх исполнил створки резного алтаря, а в 1504 по заказу Филиппа Красивого – картину «Страшный суд») не могут быть увязаны с его известными произведениями. Эволюция Босха была реконструирована Карлом де Тольнеем на основе анализа его произведений. Ранние работы художника ( «Распятый Христос», Брюссель, Кор. музей изящных искусств; два варианта «Ессе Homo», Франкфурт, Штеделевский художественный институт, и Бостон, Музей изящных искусств) не отличаются оригинальностью, несмотря на изображения почти карикатурных персонажей. Картина «Семь смертных грехов» (Мадрид, Прадо) отражает менее распространенную тему, связанную с чисто народным юмором; каждый эпизод выполнен в манере жанровой сцены, в которой акцентируются не аксессуары, а человеческие отношения. То же настроение характерно и для композиции «Пир в Кане» (Роттердам,музей Бойманса-ван Бёнингена), более насыщенной аллегорическими элементами, и особенно в картинах «Смерть скряги» (Вашингтон, Нац.гал.) и «Корабль дураков» (Париж, Лувр).




Последнее произведение является, пожалуй, первым примером темы, особенно близкой Босху и критикующей человеческое безрассудство и пренебрежение учением Христа. Это также самая ранняя из картин, исполненных в легкой манере (фигуры набросаны несколькими штрихами или сочными мазками). К этой группе работ можно отнести и четыре панно «Рай» и «Ад» (Венеция, Дворец дожей, упомянуты в 1521 в собрании кардинала Гримани),




которые дают близкую мистике интерпретацию средневековых легенд; две картины на тему «Всемирного потопа» и «Ада» (Роттердам, музей Бойманса-ван Бёнингена), на оборотной стороне которых изображены четыре сцены, непонятные по содержанию; наконец, «Несение креста» (Вена, Музей истории искусств). К зрелому периоду творчества Босха относятся большие триптихи, высоко оцененные Филиппом II Испанским. «Воз сена» (Мадрид, Прадо) развивает тему человеческого безумия. Картины первородного греха и ада, написанные на створках, обрамляют таинственную сцену, интерпретация которой остается не уточненной в деталях. В композиции объединены реальные персонажи и воображаемые дьявольские создания, что станет характерной чертой произведений Босха. Чудовища написаны с неиссякаемым воображением и анатомическим правдоподобием. Картина «Искушение св. Антония» (Лиссабон, Нац. музей старинного искусства), поразившая воображение Флобера, - одно из самых знаменитых и загадочных произведений художника. Эпизоды «Золотой легенды» развиваются с фантастическим остроумием, и кажется, что каждая деталь содержит в себе тонкие аллегории, но основной темой остается борьба Добра и Зла.




На оборотной стороне створок помещены сцены «Взятие под стражу» и «Несение креста» с изображением смерти Иуды (низвержение апостола, который ассоциируется со страданиями Спасителя ради человечества). «Страшный суд» (Вена, Собрание Академии изобразительных искусств) является вариацией Босха на традиционную тему.





Шедевром мастера стал триптих «Сад земных наслаждений» (Мадрид, Прадо), который имеет самые разные толкования. На внешних створках изображен третий день Творения - как поэтическое видение, в котором внутри земного шара, выступающего из тьмы небытия, происходит разделение элементов. В открытом виде триптих включает в себя картины «Рай» и «Ад», между которыми расположена композиция «Сад земных наслаждений»: фантастический пейзаж, заполненный парами или группами обнаженных фигур, а также гигантскими растительными формами и необычными животными. Некоторые исследователи полагают, что Босх принадлежал к секте «адамитов», существование которой в конце XV в., однако, вызывает сомнения. Скорее всего, центральная часть триптиха посвящена соблазнам и вырождению человечества от обуявших его чувственных удовольствий и сладострастия. Гигантские фрукты - это сексуальные символы, напоминающее определение, которое дал этой картине Сигенца в 1576: «Картина суетной славы со вкусом земляники или граната».





Композиция «Ад» (Мюнхен, Старая пинакотека), по стилю близкая «Саду земных наслаждений», возможно, является фрагментом «Страшного суда», написанного Босхом по заказу Филиппа Красивого в 1504.Серия изображений святых примыкает к этой центральной группе. Картина «Св. Иоанн на Патмосе» (Берлин-Далем, музей) замечательна своим пейзажем: переходы цветов, близкие примитивистам, тем не менее делят пейзаж на пространственные планы и отражают реалистическое видение художника.



Эти же черты характерны и для картины «Св. Иероним» (Гент,музей). Два триптиха во Дворце дожей в Венеции («Алтарь отшельников» и «Триптих св. Юлии»), к сожалению, плохо сохранились. К этой группе произведений можно отнести и такие работы, как «Св. Христофор» (Роттердам, музей Бойманса-ван Бёнингена), «Иоанн Креститель в пустыне» (Мадрид, музей Хосе Ласаро Гальдиано) и «Св. Антоний» (Мадрид, Прадо), пейзажные фоны которых изобилуют деревьями.


Всего фото: 16

В поздний период своего творчества Босх создал еще несколько шедевров - «Несение креста» (Гент, музей), составленный, словно мозаика, из уродливых лиц, которым противостоит лишь чистый и прекрасный лик Христа и св. Вероники; «Поклонение волхвов» (Мадрид, Прадо) и «Св. Иоанн» (Берлин-Далем,музей), в пейзажах которых соседство божественного мира с миром фантастическим подчеркивает присутствие Зла, витающего над Спасителем. «Блудный сын» (Роттердам, музей Бойманса-ван Бёнингена) - возможно, самое высокое живописное завоевание Босха; здесь гармоничная поэзия коричневых и серых тонов оживлена бледно-красными аккордами. Согласно недавней гипотезе, эта картина изображает классическую аллегорию -разносчика слухов (одного из «детей Сатурна»), то есть одно из четырех состояний человека, меланхолию. Произведения Босха сыграли важную роль в искусстве той эпохи, как своей таинственностью, так и иконографическим богатством. Главное направление его творчества проистекает из нравственных тревог и позволяет поставить его в религиозный контекст того времени (доктрина «Devotio modema»). Конечно, страсть Босха к изображению монстров, а иногда и сексуальную фантазию художника можно рассматривать с точки зрения психоанализа, но подобный «анализ» может быть произведен лишь после разграничения основных тем его картин. Работы Босха неоднократно копировались как при жизни мастера, так и в XVI в.

Это сообщение отредактировал муркотик - 23-02-2010 - 21:05
Мужчина муркотик
Свободен
19-10-2010 - 02:57
Кажется, больше никому не хочется поделиться рассказами... Жаль...

Как-то незаслуженно забыли. А ведь вклад этого художника в мировую живопись трудно переоценить.

Ян ван Эйк
Jan van Eyck
ок. 1385 или 1390—1441


Изобразительное искусство стран Бенилюкса.Изобразительное искусство стран Бенилюкса.Изобразительное искусство стран Бенилюкса.Изобразительное искусство стран Бенилюкса.Изобразительное искусство стран Бенилюкса.Изобразительное искусство стран Бенилюкса.Изобразительное искусство стран Бенилюкса.Изобразительное искусство стран Бенилюкса.Изобразительное искусство стран Бенилюкса.Изобразительное искусство стран Бенилюкса.Изобразительное искусство стран Бенилюкса.Изобразительное искусство стран Бенилюкса

Нидерландский живописец раннего Возрождения, мастер портрета, автор более 100 композиций на религиозные сюжеты, один из первых художников, освоивших технику живописи масляными красками.

Термин «art nova» — новое искусство, позаимствованный из истории музыки, — очень точно определяет искусство Нидерландов первой половины XV в. Не возрождение античности, как в Италии, а самостоятельное, интуитивное и религиозно-мистическое познание мира легло в основу новой североевропейской культуры.
Человек — не вершина творения, а всего лишь одно из свидетельств могущства Творца. Небо и земля, растения и животные, сам человек и созданное руками его — все заслуживает благоговейного внимания. И это ощущение божественной драгоценности повседневного бытия, живущее в творчестве Яна ван Эйка, послужило во многом исходным пунктом развития реализма в истории европейской живописи.

Точная дата рождения Яна ван Эйка неизвестна. Родился в Северных Нидерландах в г. Маасэйк. Учился у старшего брата Хуберта, с которым работал до 1426 г. Начал свою деятельность в Гааге при дворе голландских графов. С 1425 г. он — художник и придворный герцога Бургундского Филиппа III Доброго, который ценил его как художника и щедро оплачивал его работы. В 1427—1428 гг. в составе герцогского посольства Ян ван Эйк отправился в Испанию, затем в Португалию. В 1427 г. посетил Турне, где был принят с почётом местной гильдией художников. Вероятно, встречался с Робером Кампеном, либо видел его работы. Работал в Лилле и Генте, в 1431 г. приобрёл дом в Брюгге и прожил там до самой смерти.

Ян ван Эйк – один из первых в Европе мастеров портрета, выделившегося в его творчестве в самостоятельный жанр. Погрудные, обычно изображающие модель в трехчетвертном повороте портреты ван Эйка отличаются строгой простотой и отточенностью выразительных средств. Беспристрастно правдивая и тщательная передача облика человека подчинена в них зоркому и проницательному раскрытию главных особенностей его характера. Ян ван Эйк создал первый в европейской живописи парный портрет – проникнутое сложной символикой и в то же время интимно-лирическим чувством изображение купца Джованни Арнольфини с женой.

Не позднее 1426 г. была написана «Мадонна в церкви» — одна из ранних работ Ван Эйка. Как и большинство его произведений, картина как бы светится изнутри, рождая ощущение возвышенной радости.
Такой поразительный эффект внутреннего свечения достигался за счет послойного нанесения масляной краски на белую гипсовую грунтовку, тщательно отшлифованную и покрытую лаком.

Тут надо немного остановиться на открытии художника, давшем толчок бурному распространению техники масляной живописи по Европе. Красящие составы на основе растительных масел были известны еще в ХII в., но популярностью не пользовались:они долго сохли, часто блекли и растрескивались. Многие художники стремились улучшить старинные рецепты. Лишь Ван Эйк, где-то около 1410 г., нашел ту магическую формулу, которая делала краски быстросохнущими, позволяла живописцу наносить их плотными или прозрачными слоями, не опасаясь смешения. Теперь их можно было бесконечно варьировать по цвету, добиваясь невиданных ранее оттенков. И самое главное — тонкая масляная пленка наподобие линзы одновременно и отражала падающий свет, и вбирала его в себя, создавая тот самый эффект внутреннего сияния картины.

Новые возможности масляной живописи помогли братьям Ван Эйк сотворить Гентский алтарь — один из величайших живописных памятников Европы XV в. Работа над ним была начата, видимо, около 1422 г. Губертом, а после его смерти в 1426 г. продолжена младшим братом.
История написания и судьба Гентского алтаря, как и всякого шедевра, полна загадок и драматических событий. Прежде всего, исследователям не дает покоя вопрос об авторах произведения. Надпись на его раме о том, что работу «начал художник Губерт ван Эйк, выше которого нет», а закончил его брат Ян, «в искусстве второй», была сделана только в XVI в. и особого доверия не вызывает.

Существует предположение, что слово «художник» следует читать как «скульптор» и относится оно к резчику, выполнившему обрамление, в связи с чем родилась смелая гипотеза К. Волля и Э. Рендерса: а был ли Губерт? Или это лишь легенда, выдуманная, чтобы отдать главную роль в создании алтаря жителю Гента? Однако что тогда делать с архивными свидетельствами о жизни и смерти Губерта ван Эйка?
При всем многообразии точек зрения на роль каждого из братьев в создании Гентского алтаря ни одна из них не кажется достаточно убедительной. Во всяком случае, большая часть работы была выполнена много лет спустя после кончины старшего брата.

Гентский алтарь уникален. Он представляет собой грандиозный многоярусный полиптих, достигающий в центральной части трех с половиной метров в высоту и пяти метров в ширину в раскрытом виде. Даже если бы Ян ван Эйк в своей жизни больше ничего не создал, он все равно вошел бы в историю как aвтop Гентского алтаря. В 1432 г. работа была закончена, и складень занял предназначенное для него место в церкви Св. Иоанна-Крестителя (ныне собор Св. Бавона).

Вершина творчества ван Эйка – монументальные алтарные композиции “Мадонна канцлера Ролена” и “Мадонна каноника ван дер Пале”. Развивая и обогащая достижения своих предшественников, прежде всего Р.Кампена, он превращает традиционную сцену поклонения Богоматери в величественное и красочное изображение зримого, реального мира, исполненное спокойной созерцательности. В равной мере художника интересуют и человек во всей его неповторимой индивидуальности, и окружающий его мир. В его композициях на равных выступают и образуют гармоничное единство портретные изображения, пейзаж, интерьер, натюрморт. Чрезвычайная тщательность и вместе с тем обобщенность живописи выявляют самоценность и красоту каждого предмета, обретающего в творчестве ван Эйка реальный вес и объем, характерную фактуру поверхности. Детали и целое находятся в органической взаимосвязи: архитектурные элементы, предметы обстановки, цветущие растения, роскошные ткани, украшенные драгоценными камнями, как бы воплощают в себе частицы бесконечной красоты мироздания: исполненный света и воздуха панорамный пейзаж в “Мадонне канцлера Ролена” воспринимается как собирательный образ Вселенной.

К теме Богоматери Ян ван Эйк обращался множество раз. Портреты его поражают глубоким проникновением в самую суть характера. Во всех деталях картин ван Эйк добивается впечатления величайшей материальности и вещественной осязаемости.

Ван Эйка считают изобретателем масляных красок, хотя на самом деле он лишь усовершенствовал их. Но именно после него масло получило всеобщее признание, масляная техника стала традиционной для Нидерландов; в XV в. пришла в Германию и во Францию, оттуда — в Италию.

Художник скончался 9 июля 1441 г. в Брюгге, городе, ставшем для него родным, и был похоронен «в ограде» церкви Святого Донациана. Лишь через год родственникам удалось перезахоронить его тело, уже внутри церкви, около купели.

Ян ван Эйк был одним из величайших гениев. В своеобразном девизе Ван Эйка «Как умею» слились смирение и достоинство, присущие как самому художнику, так и всему его творчеству.
Творчество художника ван Эйка, ярчайшим образом воссоздававшее красоту и живое многообразие мироздания, в значительной степени определило пути дальнейшего развития нидерландской живописи, круг ее проблем и интересов. Мощное воздействие искусства ван Эйка испытали не только нидерландские, но и итальянские мастера Возрождения.

Это сообщение отредактировал муркотик - 19-10-2010 - 03:09
Мужчина Camalleri
Женат
27-11-2011 - 17:07



Да уж, знаменитых художников, что из стран Бенилюкса, в избытке было. По разному отношусь к их стилю, произведениям, что-то нравится, что-то нет, но уважаю и ценю их творчество в целом. Потому как роль они сыграли огромную в искусстве.
Женщина vikki2
Замужем
11-05-2014 - 17:24
Не знаю почему... но прочитав название темы... у меня возникли ассоциации...:
"Ночной дозор"...и "Вороны над полем пшеницы"
Безусловно есть масса официальной информации.... но вряд ли она отражает личное отношение человека к изобразительному искусству...ведь среди обычных людей мало профессионалов... и часто мы можем лишь сказать, нравиться нам то или иное художественное произведение... или нет.
"Ночной дозор"...пожалуй одно из самых известных полотен в Рейксмузеум в Амстердаме. Громадное полотно во всю стену...обычная для тех времен групповая "фотография", заказанная капитаном стрелковой роты...рядом висят не менее монументальные аналоги, и когда смотришь на них... видишь группу людей в парадной форме из уже далекого для нас прошлого..... а картина Рембрандта, задачей которой было создание того же "парадного портрета" поражает тем, как художник сумел изобразить каждого из персонажей... когда смотришь на картину... начинает казаться... что еще секунда... и люди изображенные на картине оживут...так гениально и реалистично их нарисовал художник..
Музей Винсента Ван Гога пожалуй один из самых посещаемых в Амстердаме.. На стенах музея представлены картины художника от самых ранних.... до тех которые он написал в последние дни и месяцы перед своей смертью...
"Вороны...." это последняя картина написанная Ван Гогом... всего за несколько недель до самоубийства...темное небо... извилистая дорога, уходящая за горизонт...золотая пшеница..и... стая воронов летящих навстречу грозе...наверное именно так художник представлял свой уход из жизни...
По моему искусство... это не общепринятые шедевры (хотя и они тоже)... а именно то,что тронуло твою душу... и что осталось в ней надолго.
Мужчина Вeтер
Свободен
27-09-2014 - 11:07
Хочу поделиться своими открытиями. Frederic Dufoor современный художник из Бельгии. Фредерик Дюфор родился в 1943 в Турнее, Бельгия, образование получил в институте Сен-Люк в Турнее, а затем в Академии Монса. После небольшого перерыва был зачислен в студию Луи Ван Линта в институте Сен-Люк в Брюсселе. С 1967 года, после окончания, в течение 10 лет преподавал в институте Graphic Communications, а затем занял пост преподавателя в институте Сен-Люк в Брюсселе, где работал до декабря 1998.

Первоначально, под влиянием преподавателей, он развивал свое искусство как эстетическое, граничащее с абстракцией. Вслед за этим последовал экспрессионистский период, напряженный и красочный, где сюжет строился вокруг диагоналей и треугольников. Этот метод создания композиций останется постоянным в творчестве Фредерика до сего дня, независимо от того, что он пишет. Большая часть работ художника это черно-белые рисунки, которые высоко оценили бельгийские художественные галереи и коллекционеры из разных стран.

Постепенно человеческая фигура завладела вниманием Фредерика и заняла центральное место на его картинах нового, реалистичного периода. "Понимание сути человека или предмета, кажется мне более важным, чем его изображение". Однако, поиск истинного стиля до сих пор побуждает Фредерика изучать работы мастеров прошлых лет и их методы.(С)

Изобразительное искусство стран Бенилюкса
Всего фото: 6
Мужчина Вeтер
Свободен
27-09-2014 - 11:10
Мне очень понравились телесные краски, умение бликовать и нежные томные позы
Изобразительное искусство стран Бенилюкса
Всего фото: 14
Мужчина Вeтер
Свободен
27-09-2014 - 11:17
Современная бельгийская художница Дебора Миссуртен (Debora Missoorten) родилась и до сих пор живет в Антверпене, Бельгия, где работает как независимый профессиональный художник. Она закончила учебу в академии художеств по специальности "дизайн Костюма для театра".

"Мои картины навеяны личными воспоминаниями и мыслями о жизни в целом. Использование специальной цветовой схема помогает создавать в моих картинах ощущение идеализации и настроения. Некоторые из моих работ пронизаны идеализированным видением мира, другие же наполнены долгими размышлениями и вторичными вопросами.
Для меня живопись - это возможность изложить свои мысли, попытка изобразить момент перехода к свободе интерпретации. Я хочу воспользоваться этой свобода настолько, насколько это возможно, чтобы избежать предсказуемости своих работ.(С)
Очень приятно посмотреть на технику, напоминает репортаж.
Изобразительное искусство стран Бенилюкса
Всего фото: 15
Мужчина - Vampire -
Свободен
27-09-2014 - 20:04
(_Ветер_ @ 27.09.2014 - время: 11:17)
Современная бельгийская художница Дебора Миссуртен (Debora Missoorten) родилась и до сих пор живет в Антверпене, Бельгия, где работает как независимый профессиональный художник. Она закончила учебу в академии художеств по специальности "дизайн Костюма для театра".

"Мои картины навеяны личными воспоминаниями и мыслями о жизни в целом. Использование специальной цветовой схема помогает создавать в моих картинах ощущение идеализации и настроения. Некоторые из моих работ пронизаны идеализированным видением мира, другие же наполнены долгими размышлениями и вторичными вопросами.
Для меня живопись - это возможность изложить свои мысли, попытка изобразить момент перехода к свободе интерпретации. Я хочу воспользоваться этой свобода настолько, насколько это возможно, чтобы избежать предсказуемости своих работ.(С)
Очень приятно посмотреть на технику, напоминает репортаж.

А не плохие работы. С интересом даже посмотрел.
Мужчина Вeтер
Свободен
29-09-2014 - 13:16
Пол Легент родился в 1952 году в Бельгии. Но к живописи пришел не сразу, только в 1989 году. Начал с акварели, но быстро понял, что это не то, что ему необходимо, масляная живопись будет больше соответствовать его образу мысли.
Главная тема картин этого художника - живая природа, пейзажи и времена года, но немало работ Пол посвятил силе, энергии и красоте человеческого тела.

Он художник-самоучка. Тем не менее посещал курсы рисования в бельгийской академии. После участия в многочисленных групповых выставках и пришедшего вслед за этим успеха, некоторые галереи в Бельгии предложили ему выставлять свои работы. В настоящее время живет и работает в городе Houyet, Провинция Намюр, Бельгия.(с)
Изобразительное искусство стран Бенилюкса
Всего фото: 8

Это сообщение отредактировал _Ветер_ - 29-09-2014 - 13:18
Мужчина Вeтер
Свободен
29-09-2014 - 13:18
Обратите внимание друзья, что в данном случае самоучка с его собственным мнением дает фору многим художникам с традиционной техникой. Какие яркие цвета, пусть неестественные, но очень приятные.
Изобразительное искусство стран Бенилюкса
Всего фото: 11
Мужчина Вeтер
Свободен
29-09-2014 - 13:24
Стефан Хеурайон современный бельгийский художник родился в Уккле, Бельгия в 1964 году. в семье художников, в настоящее время живет в городе Лустин и работает учителем в "Школе акварели" в Намюр. Он имеет степень бакалавра изобразительных искусств, которую получил по окончании школы искусств Святого Луки в Брюсселе. Там Стафан изучал графический дизайн, а позже работал в рекламных агентствах в Париже и Брюсселе.
Акварельные картины Стефана участвовали во множестве коллективных и персональных выставок, он выиграл приз зрительских симпатий, второй приз на выставке "Весенняя акварель", приз жюри на международном салоне "Мир Акварели" 2005 года и многих других.(С)

Изобразительное искусство стран Бенилюкса
Всего фото: 13
Мужчина Вeтер
Свободен
30-09-2014 - 14:31
Pol Ledent.
Изобразительное искусство стран Бенилюкса
Всего фото: 8
Мужчина Вeтер
Свободен
30-09-2014 - 14:32
Pol Ledent.
Изобразительное искусство стран Бенилюкса
Всего фото: 12
Мужчина Вeтер
Свободен
30-09-2014 - 14:37
Amy Polling
Эми Поллинг родилась в Сан-Франциско, Калифорния, в очень артистической семье, ее родители голландцами, но по венам Эми также течет и французская кровь! Она жила в различных странах мира и считает себя "американским гражданином Европы". Она получает вдохновение из собственного жизненного опыта и из множества ранних путешествий по всему миру, где ей довелось пообщаться с людьми всех видов общества и культур; бедуинами, нищими и знаменитостями...(С)
Изобразительное искусство стран Бенилюкса
Всего фото: 8
Мужчина Вeтер
Свободен
30-09-2014 - 14:37
После 5-летней учебы в королевской академии Искусств в Гааге, Нидерланды, Эми “сбежала” в Париж, чтобы начать карьеру в качестве дизайнера одежды для “Sonia Rykiel”. Кроме того, она несколько лет работала театральным художником по костюмам в крупных музыкальных и оперных постановках. Однако ее творческие способности всегда брали верх в каком бы театре она не работала. Хотя Эми и рисовала всю свою жизнь, только в 2006 году она последовала зову сердца и изменила успешной карьере, чтобы стать профессиональным художником, с уникальным и узнаваемым стилем.

"Я считаю, что искусство может стереть многие границы, возвести мосты и выйти за пределы горизонта, соединить все культуры вместе, в мире и гармонии, и дотянуться до сердца всех людей". В настоящее время Эми Поллинг живет и работает в Гааге.(С)
Изобразительное искусство стран Бенилюкса
Всего фото: 9
Мужчина Вeтер
Свободен
01-10-2014 - 09:42
Художник из Люксембурга. Ben Carter
Изобразительное искусство стран Бенилюкса
Всего фото: 8
Мужчина Вeтер
Свободен
01-10-2014 - 09:43
Бен Картер (Ben Carter) родился в Англии, в 1977 году, с 1979 года Бен 6 лет провел в республике Малави, а затем переехал с семьей в Люксембург, где в течение нескольких лет посещал занятия в Европейской школе. С 1989 по 1996 год учился в школе Милфилд, в городе Сомерсет, Англия. Там Бен успешно сдал выпускные экзамены по трем дисциплинам: история искусства, дизайн и бизнес-технологии.
С 1997 по 2000 учился в университете Кингстон, Лондон, на степень бакалавра в области иллюстрации.
Наибольшее влияние на него оказали работы художников Дэвида Хьюза, Ральфа Стедмана, Дэмиена Херста, Фрэнсиса Бэкона, Сары Фанелли, Питера Дойга и Дэвида Хокни.

В настоящее время он живет и работает в Люксембурге с 2004 года. Специализируется на пейзажной живописи Люксембурга и его окрестностей. Работает, преимущественно, в смешанной технике. Зачастую это предполагает создание фона слоями краски на поверхности холста. Затем он делает эскизы пейзажа, используя карандаш и технику гравюры, которую художник он разработал сам. Наконец, созданный образ добавляется акриловая краска завершвющая картину.(С)
Изобразительное искусство стран Бенилюкса
Всего фото: 12
Мужчина - Vampire -
Свободен
01-10-2014 - 12:05
В Российском центре науки и культуры в Брюсселе с 26 октября по 6 ноября будет работать выставка известного российского фотографа дикой природы Сергея Горшкова.
На днях его выставка завершилась в бельгийском городе Намюре.
В течение нескольких лет Горшков снимал фауну одного из самых труднодоступных заповедников мира – острова Врангеля, расположенного в Северном Ледовитом океане между Восточно-Сибирским и Чукотским морями.
По словам Сергея Горшкова, первым его снимком на острове стала фотография плавающей белой совы.
«До этого я даже не представлял, что совы могут плавать. В августе птенцы белой совы учатся летать – порой с непредсказуемыми последствиями. Этот совенок, которого я увидел, бесстрашно спикировал в реку и изо всех сил работал крыльями, как веслами, пытаясь удержаться на плаву. В итоге он доплыл до берега, отряхнулся и улетел», – рассказал Горшков.
Он добавил, что в Арктике во время полярного дня он, подобно ночным хищникам, спал днем, а ночью работал. Это позволило ему не упустить интересные моменты и воспользоваться фантастически мягким и прозрачным «ночным» светом.
Губернатор Чукотки Роман Копин считает, что исследование фауны острова Врангеля дает фотографу не только уникальный материал для съемки, но и колоссальный жизненный опыт.
«Наверное, Чукотка – это край не для всех. Не каждый человек способен принять холод, пургу, отсутствие привычной для центральных регионов страны растительности, непродолжительную солнечную активность Севера. Просто потому, что не каждый увидит в этом то подлинное, настоящее, что таит в себе арктический мир. А он именно такой – строптивый, с характером, но в этом его дух и особенность. И для настоящего ценителя – это подарок жизни. Отрадно отметить, что Сергей Горшков так искренне и всесторонне раскрыл жизнь на острове Врангеля – нередко и даже зачастую опасную», – сказал глава Чукотки. Он рассчитывает, что выставка может вызвать дополнительный интерес у жителей Бельгии к Чукотке и может послужить увеличению турпотока в арктический регион. (с)

Изобразительное искусство стран Бенилюкса
Мужчина Вeтер
Свободен
21-10-2014 - 09:58
Разбавим современностью.

Брюссель известен своим Маршрутом Комиксов вдоль многочисленных рисунков на стенах, посвященных приключениям Тинтина. Теперь любителям по-настоящему хорошего граффити стоит заглянуть и в другой город Бельгии, Мехелен, где на торце дома появился совершенно умилительный щенок, покоряющий своим жизнерадостным взглядом.(С)
Изобразительное искусство стран Бенилюкса
Всего фото: 5
Мужчина Вeтер
Свободен
21-10-2014 - 10:03
После многих лет традиционной живописи на холсте, кистью и красками, Самуэль Леви решил поэкспериментировать с шариковыми ручками. Обычными синими, затем цветными, а потом и флуоресцентными, он покрывал рисунками простую белую бумагу, упаковочный картон, а также квитанции и чеки, карточки, билетики и другие кусочки бумаги, который попадались под руку. Нарабатывал технику, разрабатывал стиль, а также изучал свойства бумаги и особенности рисования ручками разных производителей. Сегодня стиль Самуэля Леви хорошо узнаваем: это гремучая смесь уличного граффити и компьютерной графики ярких психоделических цветов.
Молодой художник говорит, что никогда заранее не планирует, что будет рисовать сегодня, завтра, через две недели. Стоит ручке коснуться бумаги, как идеи и образы сами появляются в голове и маячат перед глазами, покуда их не перенесут на бумагу. Рисует художник преимущественно абстрактные картины с разнообразными разноцветными черепушками, а вокруг этих черепушек и вертится сюжет. Дополняют картину такие же безумно-разноцветные абстрактные узоры и другие не менее психоделические фигуры и формы, расположенные на холсте в творческом беспорядке, художественном хаосе. Трудно поверить, но все это великолепное разноцветие действительно нарисовано шариковыми ручками Bic, но иногда автор использует смешанную технику, разбавляя штриховку ручкой штрихами аэрозольной краски. Это делает картины художника более похожими на граффити, добавляет им своеобразного стрит-артовского колорита люксембургских улиц.(С)

Изобразительное искусство стран Бенилюкса
Всего фото: 6
Мужчина - Vampire -
Свободен
11-03-2015 - 21:33
Изобразительное искусство стран Бенилюкса

КАРТИНА ВИНСЕНТА ВАН ГОГА БУДЕТ ВЫСТАВЛЕНА ВПЕРВЫЕ ЗА БОЛЕЕ ЧЕМ СТОЛЕТНИЙ ПЕРИОД.

Решение принято после того, как было получено решающее доказательство того, что исторические следы шедевра ведут напрямую к нидерландскому художнику.
«Мельница Альфонса Доде в Фонвьей», изображающая бушующие зеленые виноградники, ведущие к ветряной мельнице со сломанными крыльями, это картина, выполненная художником на бумаге с помощью графита, тростникового пера и чернил. Акварелью картина была покрыта позже, когда художник прибыл в Альпы на юге Франции.
Картина датируется 1888 годом, то есть была написана за два года до смерти художника. Исследования над подлинностью картины велись в сотрудничестве с музеем Ван Гога в Амстердаме.
Шедевр будет выставлен на самой престижной ярмарке искусств TEFAF в Маастрихте, которая откроется в Нидерландах в эту пятницу. Картину оценили в 9,2 млн евро. (с)
Мужчина - Vampire -
Свободен
02-12-2015 - 21:52
В Выставочном центре «Эрмитаж-Амстердам» открылась выставка «Испанское искусство из Эрмитажа»

В Выставочном центре «Эрмитаж–Амстердам» 27 ноября 2015 года открылась очередная выставка под названием «Испанское искусство из Эрмитажа». Выставка получила широкое отражение в многополосных статьях основных газет Амстердама, также на открытии присутствовали также журналисты из Франции и Испании.


По сообщению сайта Музеи России, на открытие выставки прибыла принцесса (бывшая королева) Нидерандов Беатрикс, бургомистр Амстердама, послы России, Испании и Мексики, руководители Фонда «Эрмитаж на Амстеле» и Общества друзей Эрмитажа в Нидерландах.

На выставке можно увидеть 255 экспонатов из коллекции Государственного Эрмитажа – самого значительного собрания испанской живописи за пределами Пиренейского полуострова позволяют рассмотреть испанское искусство во всем его многообразии. Здесь представлены произведения XVI века - начала XX столетия – живопись и графика, оружие, предметы декоративно-прикладного искусства.

Директор Государственного Эрмитажа Михаил Пиотровский рассказал в интервью журналистам издания «Аргументы и Факты» о филиалах – «спутниках» Эрмитажа, действующих в российских городах: «Спутники Эрмитажа с 2005 г. работают в Казани и с 2010 г. в Выборге Ленинград­ской обл. В сентябре этого года соглашение об открытии подобного научно-просветительского выставочного центра было подписано с Калугой. Кроме показа экспонатов из хранилищ музея там будут читать лекции, а для детей предусмотрены образовательные студии. В ближайшие 3 года примут посетителей филиалы в Омске, Екатеринбурге и Владивостоке. Ближе к 2022 г. филиал Эрмитажа откроется и в Москве на территории автозавода им. Лихачёва».

Филиалов Эрмитажа за рубежом немного: проекты «Эрмитаж-Гуггенхайм» в Лас-Вегасе и «Эрмитажные комнаты» в Сомерсет-Хаусе в Лондоне закрыты. Как сообщил Пиотровский, эти филиалы проработали по 7 лет. Остались выставочный центр в Амстердаме и центр «Эрмитаж-Италия» в Венеции, который в основном ориентирован на научную деятельность. Планируется открытие филиала в Барселоне.(с)
Мужчина - Vampire -
Свободен
16-06-2016 - 21:21
Выставка художников «Золотого века» Голландии

Государственный музей Rijksmuseum, музей Амстердама и амстердамский Эрмитаж совместно организуют великолепную выставку, на которой будут представлены работы художников 17-18 веков, выполненные в стиле групповых портретов.

Это уникальный случай, когда такая большая коллекция групповых портретов от художников золотой эпохи собирается в одном месте. На портретах в основном изображаются представители голландской буржуазии той эпохи, но что примечательно и отличительно от художественных произведений того времени в соседних странах, голландцы не пренебрегали изображать на своих картинах и представителей среднего класса. Эти групповые портреты «обычных людей» свидетельствуют о чрезвычайной важности типичного группового менталитета в Голландии. (с)
0 Пользователей читают эту тему

Страницы: (1) 1 ...
  Наверх