Новости и события в культурной жизни.

«Вы знаете, он сам о себе сказал: а у него же Русь в корни, как говорили искони. Это вот тот корень народный нашей культуры, которая не должна забываться, которая должна передаваться следующим поколениям, чтобы мы оставались вот теми русскими людьми», - отметила искусствовед, заведующая художественным отделом Костромского музея-заповедника Татьяна Сухарева.

Ефим Честняков родился в деревне Шаблово под Кологривом 31 декабря 1874 года. Рисовать начал с четырех лет, закончил уездное училище, затем учительскую семинарию, стал преподавателем, перебрался в Вичугский край. Там рисунки Честнякова оценила местная интеллигенция. Кто-то показал их Репину. И тот написал Честнякову, что принимает его в свою студию. Учиться в Питер молодой живописец поехал на народные средства. В костромском музее хранятся его работы тех лет. Обнаженная натура, этюды. Например, вот такой в духе Тулуза-Лотрека.

Освобожденный от воинской службы по состоянию здоровья, в 1914 году Честняков окончательно поселяется в Шаблово. Там и происходит его преображение в «рыцаря сказочных чудес», над работами которого ломают головы исследователи. А туристы сравнивают с Брейгелем и Босхом. Но самая интересная публика - дети.

«У него очень много сказочных картин, много сказочных персонажей. И когда к нам приходят дети самого маленького возраста, детский сад, то они видят гораздо больше в произведениях Ефима Честнякова, чем взрослые. Иногда для себя открываешь неожиданные моменты. Они видят очень необычных героев, они делают необыкновенные сравнения», - рассказала старший научный сотрудник отдела Образовательных программ Костромского музея-заповедника Любовь Смирнова.

Вот «Город всеобщего благоденствия». На ней юные экскурсанты обнаружили персонажа, который как бы перемещается во времени и пространстве. Делать маленькие открытия на картинах Честнякова может попытаться любой желающий.

Андрей Тихомиров©

- Своих студентов хочу научить, как делать книгу, - говорит Владислав Коваль. - Сколько бы ни говорили, что книга скоро умрет, театр будет вытеснен телевидением, это не так. Жизнь все расставит на свои места, хорошая книга всегда будет жить.

Он рассказывает, что рисовать начал ещё в раннем детстве, когда рассматривал у мамы журналы моды. Не понимал, почему там была изображена одежда без людей. «А мне нужно было, чтобы эти платья стали людьми, поэтому подрисовывал им ноги», - говорит с улыбкой Владислав Коваль.

Его друзья называют его мастером хорошей шутки, в пример приводят множество историй. Например, как он из Москвы, где учился в полиграфическом институте, отправил домой в Волгоград письмо с нарисованной им самим маркой. На ней изобразил автопортрет с надписью: «Советский художник-график В.Э.Коваль - 1973.» Марка была выполнена столь искусно, что почтовики не заметили подвоха, и она прошла гашение 25 сентября 1973 года.

Спустя два года почтовое ведомство предложило талантливому студенту выполнить юбилейную марку к 70-летию знаменитого композитора Дмитрия Шостаковича. Всего Владиславом Ковалем создано более полусотни почтовых марок. Именно он стал первооткрывателем в сфере дизайна почтовых знаков, отказавшись от стандартной рамки. В 1989 году на Международной филателистической выставке в Гаване марки Коваля произвели сенсацию.

В живописи он также стал новатором, открыв новое художественное пространство. Коваль прекрасен и в миниатюрах, которые могут поместиться на монете, кулоне или даже серьгах, и в монументальных картинах-трансформерах. В каждом сюжете его картины, если присмотреться, читается зашифрованное послание.

Владислав Коваль придумал такие направления в живописи, как «Ювелиризмы», «Т- АРТ». Одна из его последних фишек – «квадромб». Он сам объясняет, что это значит, взяв в руки картину размером метр на метр.

- Если мы эту картину ставим как ромб, то меняется ее высота и ширина: у нас получается 1 метр 40 см на 1 метр 40 сантиметров. Расширяется линия горизонта, появляется высота и глубина. Сегодня начинаю заново смотреть на свои картины, написанные 35 лет назад, через новую находку – «квадромб», - говорит Владислав Коваль.

Он считает, что это переосмысление всего творческого пути. Приводит в пример свою картину, написанную два года назад, на которой изображен обелиск – это жизненный путь человека, который стремится к чему-то высокому, карабкается по ступеням, которые становятся все круче и в какой-то момент вообще исчезают. И человек, обессилевший, сидит на последних ступенях, у него уже нет сил преодолеть подъем.

Стоило Ковалю посмотреть на эту картину через призму «квадроромба» и открылся новый философский смысл, нашлись ответы на вопросы, мучавшие героя картины и автора.

- Через два года я подхожу к этой картине заново, - делится он, - а стрелка, угол этого обелиска - направлена на меня. Она словно говорит – «все в тебе!» и открывает заново цель - не наверх, а в себя.

У него много примеров того, как его картины открывались иначе спустя много лет. Один из самых ярких – полотно под названием «Колыбельная». На нем изображена швейная машинка и облако ткани над ней. «Я эту картину решил посвятить своей маме, она шила по ночам и стук швейной машинки был для меня, как колыбельная, под это стрекотание я засыпал, - рассказывает Владислав Коваль. - Над машинкой в мастерской я долго вывешивал ткань, чтобы рисовать с натуры. Но полотно провисало, не было нужной мне динамики. И тогда я оторвал кусок крафтовой бумаги, в которую заворачивал картины, скомкал его и подвесил над швейной машинкой под потолок. Спустя много лет, когда у меня в мастерской была делегация, и я рассказывал про свое творчество, про разные планы картины, одна немка мне сказала: «Так вот почему вы назвали картину «Колыбельная» и повернула ее на бок. И я увидел в этих складках бумаги образ женщины с младенцем.

- Целый пласт своего творчества Владислав Коваль посвятил Волгограду и Волгоградской области, - отметил заместитель губернатора Владимир Попков. – Это выдающийся человек, пользующийся несомненным авторитетом в регионе.

Он является автором множества гербов и флагов муниципальных образований Волгоградской области, а также гербов вузов. Им разработаны и выпущены монеты-медали в честь знаменитых земляков, перешагнувших 90-летний рубеж. Одна из последних таких монет посвящена Александре Пахмутовой. Как награду эту монету получили волгоградские волонтеры, участвующие в высадке деревьев в сквере Пахмутовой.

Накануне большого юбилея Владислав Коваль признается, что постоянно находится в творческом поиске, что самое большое счастье для него – это собственно жизнь. И что ему для развития не нужны большие пространства, достаточно маленького пятачка. Именно поэтому ему никогда не было тесно в Волгограде. ©

Путь к картине — через этюды и эскизы. Василий Суриков часто находил героев своих произведений на улице. Как, например, этого персонажа будущей картины «Боярыня Морозова». Или эту нищенку для того же полотна. А этюды Репина — целая галерея современников. Для картины «Не ждали» ему позировал писатель Всеволод Гаршин, а «Царевну Софью» он писал с матери Валентина Серова. Поленов позировал Васнецову — для фигуры Алеши Поповича. Николай Ге для своей композиции «Распятие» пригласил позировать художника Степана Яремича. С него писал фигуры Христа и разбойника, подражая художникам эпохи Возрождения.

«Для того, чтобы полностью почувствовать как можно точнее положение фигуры на кресте, натяжение мышц, изгиб тела художника Яремича просто подвешивали к кресту», — рассказала заведующая отделом графики XVIII-начала XX века, куратор выставки Ирина Шуманова.

Большинство произведений зрители увидят впервые, но кое-что из графики передвижники показывали на своих выставках. А еще передвижникам принадлежит изобретение нового вида графики — реплика. Реплика — это повторный рисунок уже готового полотна. Василий Поленов создал это графическое повторение картины «Христос и Грешница» специально для Павла Третьякова — саму картину купил император Александр III. Многие реплики художники писали для каталогов и журналов, чтобы популяризировать свои произведения.

«Передвижники уделяли огромное внимание продвижению своих произведений. И многие события, многие направления, многое в передвижничестве можно понять, экстраполируя сегодняшнюю ситуацию с рекламой, пиаром», — отметила Ирина Шуманова.

А вот так выглядели выставки передвижников со стороны. Этих вернисажей ждали, о них писали и говорили. Такой ажиотаж не мог не вдохновить карикатуристов. Вот обложка сатирического журнала «Будильник» — Шишкин по соседству с Крамским. А в этом еженедельнике «Всемирная иллюстрация» — карикатура на тему доступности искусства: благодаря передвижникам, картины будто бы могли увидеть даже заключенные в тюрьме.



Юлия Кундрюкова©

Великая отечественная война дала творческому союзу новый, беспрецедентный по размаху и драматичности материал для художественного воплощения. Натурные зарисовки с фронта Н. Жукова, И. Лукомского, В. Богаткина, А. Кокорекина и других художников до сих пор изучаются историками.

Общественное признание сопутствовало грековцам и после войны, когда были созданы грандиозные работы: картины «Мать» Б. Неменского, «Победа» П. Кривоногова, памятник Воину-освободителю Е. Вучетича в Берлине, и особенно знаменитые — панорама «Сталинградская битва» в Волгограде, диорама «Битва за Перекоп» в Симферополе.
Сегодня художники студии не только выполняют заказы по изготовлению картин и скульптур, но продолжают создавать диорамы и панорамы, реставрируют и расписывают храмы. Москвичам, например, хорошо знакомы такие работы грековцев, как скульптурные композиции «Офицеры» и «Они сражались за Родину» на Фрунзенской набережной. А последняя по времени крупная работа объединения была представлена в Туле в сентябре 2019 года — монумент, посвященный подвигу комиссара Тульского рабочего полка (авторы скульптор Максим Малашенко, архитектор Денис Бобылев под руководством народного художника РФ, академика Российской Академии художеств Михаила Переяславца).©

«Нам очень важно было показать не только все парадные вещи, которые, конечно, очень важны, чтобы глазами, а не в цифровом виде увидеть, что они из себя представляют, но показать то, что является сутью художника. Показать рисунок, гравюру, его домашние вещи», — рассказала директор ГМИИ им. Пушкина Марина Лошак.

Художник экспериментировал с гравюрными техниками. Работал с дневным и ночным светом. В экспозиции — живопись на стекле. Сохранилось всего десять таких стеклянных пластин. До сих пор они никогда не покидали Англию.

«Он сделал такой прибор. Нечто вроде волшебного фонаря, в который вставлялись пластины. Пейзажи, написанные на стекле и эти пластины подсвечивались свечами, но не напрямую, а сквозь такой белый шелк, который давал немножко холодноватый, рассеянный свет», — поделилась куратор выставки Анна Познанская.

Музыка была любовью Гейнсборо. Он виртуозно играл на разных инструментах и коллекционировал их. Писал портреты музыкантов и жанровые сценки с музицирующими, детально прописывая флейты и виолончели. Музыка — на первом месте, живопись на — втором, говорил художник. Но в мире искусства Гейнсборо остался, как великий портретист.

Томаса Гейнсборо называли Ренуаром XVIII века. Художник не только искусно писал парадные портреты. Он их искусно мог переписать. Его клиенты возвращались к нему лет через пять и просили изменить прическу или костюм, вышедшие из моды.

Глядя на этот парадный портрет миссис Элизабет Муди, трудно поверить, что художник вписал ее сыновей через несколько лет после смерти матери. Такой они никогда ее не видели. Гейнсборо часто писал портреты при свечах, дававших мягкий, рассеянный свет, экспериментировал с позами, но при этом отчаянно ненавидел портретную живопись.

«Он писал, что „эти проклятые портреты я бы гораздо с большим удовольствием променял на любой мой ранний пейзаж“. Он был пейзажистом, он очень любил пейзажи. Одна из последних работ, которую он создал, был пейзаж. Это свидетельствует, что он до конца был предан этому жанру», — говорит Елена Коротких, научный сотрудник Отдела искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков ГМИИ им. Пушкина.

Сто работ из 13 музеев. А еще «Прогулки с Томасом Гейнсборо» на Декабрьских вечерах, где будет много английской музыки.



Елена Ворошилова©

Александр Бубнов – один из тех, кто создавал современный сборник «Поэзия неведомых слов»; это посвящение Илье Зданевичу или Ильязду, как сам себя называл художник, издатель, теоретик искусства. Рядом ниже – сборник оригинальный, датируемый 1949-ым – произведения поэтов-футуристов и дадаистов, которые отобрал Зданевич.
Проиллюстрировать эту книгу в жанре Livre d`artiste он пригласил лучших художников своего времени, среди которых Пикассо, Шагал, Матисс.

«Это был организаторский талант Ильязда, который сумел уговорить эти художников. Например, когда он пришел к Матиссу, Матисс сказал: «Ну, мне сейчас не до этого. Я не хочу». И по легенде Ильязд станцевал перед ним лезгинку. Говорит, ну, что мне еще сделать – могу станцевать. Матисс улыбнулся: «Ну, ладно, – говорит, – я согласен», – рассказал художник Михаил Погарский, куратор выставки.

В этом году «Поэзии неведомых слов» исполняется 70 лет, а со дня рождения Ильязда – 125. Две даты арт-сообщество отмечает художественно. Лица раскрашены – первым это делал как раз Зданевич, чтобы привнести искусство в жизнь и скрасить серые будни. Раскрашивал он и русский язык, выдумал свой – так называемый «заумный», который, по идее, передавал все тонкости разговорной речи. Нечто похожее появилось в интернете в начале 2000-ых – известный всем сетевой жаргон, когда-то на нем были написаны книги.

«Те вещи, те приемы, которые мы видим у сегодняшних художников, которые использованы в создании книг, – Зданевич пользовался этими приемами еще в начале XX века», – сказал Василий Церетели, исполнительный директор Московского музея современного искусства.

Книги, инсталляции, коллажи – современные художники представили свои арт-объекты, посвященные Ильязду. Василий Власов создал календарь футуриста – 12 коробов, в которых считываются работы авангардистов, а также события из жизни Зданевича.

«Зданевич читал лекцию у себя в Тбилиси, и меня вдохновило то, что здесь несколько строчек – будет дискуссия... там гитара сломанная и все такое», - поделился Василий Власов, художник.
Еще одна часть празднования - перформанс. Чтение поэм и стихов, и эксцентричные попытки взлететь.

Анна Галиснкая, Александр Садольский©

ТОП-10 АЛЬБОМОВ ГОДА — БЕЛАРУСЬ

(Альбомы 2019 и 2018 года выпуска)

Billie Eilish — When We All Fall Asleep, Where Do We Go?

Тима Белорусских — Твой первый диск – моя кассета

RSAC — Аргументы

Artik & Asti — 7 (Part 1)

Zivert — Сияй

Imagine Dragons — Origins [deluxe]

Shawn Mendes — Shawn Mendes [deluxe]

KAZKA — Karma

Звонкий — Мир моих иллюзий

Alice Merton — MINT



ТОП-10 ТРЕКОВ ГОДА — БЕЛАРУСЬ

(Треки 2019 и 2018 года выпуска)

Billie Eilish — bad guy

Zivert — Life

Тима Белорусских — Незабудка

Тима Белорусских — Витаминка

Artik & Asti — Грустный дэнс

Артур Пирожков — Зацепила

HammAli & Navai — Девочка-война

Tommee Profitt — In The End

Zivert — Зелёные волны

Triplo Max — Shadow

«В результате регионы получат право проведения такого фестиваля. Это, безусловно, будет иметь большое значение для тех, кто там живёт. Собственно, откуда взялся проект? Уже была похожая история в Одинцовском районе. И то, что там произошло, изменило в каком-то смысле образ жизни людей, точно изменило их настроение – улучшило, повысило гордость за свой район, за свой город. Мы хотим, чтобы таких мест стало больше!» – заявил Алексей Комиссаров, сопредседатель Центрального штаба Общероссийского народного фронта, генеральный директор АНО «Россия – страна возможностей».

«Преображается городская среда, и у людей вырастает уровень социального оптимизма – хотя они и сами не могут объяснить, что происходит, до конца, но видны улыбающиеся лица, видны глаза детей, которые вдруг захотели связать своё свободное время, а, может, потом и профессиональную жизнь с творчеством. Может, они и не будут граффитистами, но, по крайней мере, они видят, что искусство может быть актуальным, разным», – прокомментировал Сергей Новиков, начальник управления президента России по общественным проектам.©