Новости и события в культурной жизни

«С помощью нейросетей, программирования, электросхем художники говорят со зрителями. Современный человек с самого рождения включен не только в биоценоз, но и в техноценоз», - рассказала куратор выставки Дарья Пархоменко.

Несколько лет ушло у кураторов этой масштабной выставки, лаборатории Art&Science Foundation, чтобы объединить художников из разных стран и спровоцировать их на такое тотальное осмысление технологической революции, которая не за горами. Ключевая фигура здесь - Томас Фойерштайн. Совместно с инженерами из Курчатовского института и Лабораторией Касперского создал три инсталляции. Две старинные хирургические лампы стали роботизированными существами, которые беседуют на языке XIX столетия.

«Обычно такие лампы направлены на нас во время сложнейших операций на внутренние органы. Это важная ассоциация. В мире будущего они анализируют нутро информационного мира - новости, проблемы на языке прошлого, который мы взяли из произведений Достоевского «Бесы», то есть внутри у них специально обученная искусственная нейросеть», - объяснил Томас Фойерштайн.

Другая часть проекта Фойерштайна - хорорр о герое, который был когда-то одержим вопросом свободы воли.

Инсталляция «Чай с Кирилловым» дала вторую жизнь персонажу из «Бесов» Достоевского. По роману инженер Кириллов покончил жизнь самоубийством, а здесь - виртуально реинкарнировал. Это дух Кириллова открывает и закрывает ящики этого стола, а также попивает чай, который всегда горячий, из него поднимается пар, и он убывает из кружки.

С ещё большей иронией к размышлению о возможностях искусственного интеллекта подошёл художник Дмитрий Морозов. Из электронных игрушек-питомцев – тамагочи, которыми грезили дети в конце 90-х, он создал цифровую ферму.

«О животных заботится не человек, а какой-то ещё один алгоритм, то есть созданная программа для этой инсталляции симулирует поведение человека и нажимает клавиши в нужный момент, чтобы покормить, отправить спать, научить чему-то, и получается, что одна программа, один алгоритм заботится о другом», - пояснил Морозов.

А вот Егору Крафту не до шуток. Он работает с гигантским наследием утраченных античных греческих скульптур и римских фризов. Его команда изобрела код, с помощью которого искусственный интеллект может достроить их, собрать целиком.

«Нам известна античность как нечто фрагментированное, прошедшее огромное количество времени и дошедшее до нас кусочками и фрагментами, и если мы тренируем нейронную сеть для того, чтобы это восстанавливать, мы получаем спекулятивные результаты, что же нейронная сеть думает о том, что же там на самом деле было», - отметил Крафт.

На этой выставке - роботы рисуют и читают философские трактаты. Великие поэмы выражены в электронных схемах, а видеокамеры транслируют ваш облик в новейшие нейросети. Изучать это можно часами. С широко раскрытыми глазами, смотрящими в будущее!©

Репортаж Юлии Кундрюковой.

Кажется, загадку Архипа Куинджи теперь можно разгадать. Проследить, как художник создавал свои большие полотна, например, «После дождя», с помощью этюдов и эскизов, которые висят здесь же. А его знаменитую картину «Ночь на Днепре» можно буквально в деталях рассмотреть, увеличив каждую в несколько раз. Архипа Куинджи в Третьяковке как будто под микроскопом рассматривают.

«Ночь на Днепре» великий князь Константин Романов выкупил у Куинджи, когда работа была еще не окончена, за пять тысяч рублей ‒ огромная сумма по тем временам. Картина путешествовала с князем на яхте, а Тургенев специально из Парижа приехал в Марсель, где остановился князь, чтобы увидеть своими глазами полотно, которое наделало так много шума. Современники считали Куинджи загадочным алхимиком. Его дружба с Менделеевым подливала масла в огонь, поговаривали, что он подмешивает в краски фосфор, чтобы лунный свет так сверкал.

«Куинджи прибегал к тем обычным пигментам, которыми пользовались все художники. Эффект этой картины заключался главным образом от освещения ‒ луч падающего света, который отражается от светлых участков, причем написанных пастозно, выпукло, рельефно, он усиливал блеск», ‒ рассказала куратор выставки Ольга Атрощенко.

«Днепр утром» ‒ последняя работа, которую современники увидели при жизни художника. Куинджи на волне огромного успеха закрылся в своей мастерской под Петербургской крышей, и больше свои работы почти никому не показывал.

«Ему было интересно не просто делать что-то, что он может предъявить публике. Ему было интересно следовать своему собственному пути, на который не должно было влиять общественное мнение. А общественное мнение в ту пору иногда было для него очень болезненным, поскольку его обвиняли и в приверженности к внешним эффектам, в погоне за этими эффектами», ‒ говорит генеральный директор Третьяковской галереи Зельфира Трегулова.

За закрытыми дверями мастерской он делает первые шаги в искусство следующего века. Пишет море и солнце, свет которого для него важнее деталей. Дымка, размытость и световые переливы ‒ так похожи на импрессионизм. Куинджи ‒ первый русский пейзажист-философ. Расположение работ на выставке как иллюстрация движения мысли художника: от земли, когда Куинджи писал лесные пейзажи, через огонь ‒ его яркие закаты и восходы, к небу, когда главной для него стала воздушная стихия. Считается, что работа «Облака» не закончена. Но куратор выставки Ольга Атрощенко с этим не согласна, она уверена: так Куинджи стремился передать состояние полета.

«Художник умышленно, на мой взгляд, не прописывает элементы переднего плана: деревья растущие, он их делает несколько смазанными», ‒ добавила куратор выставки.

Он пишет пейзажи с видом на крыши, как будто учится летать. Эти эксперименты не похожи на то, что писали остальные. Свет картины увидели только после смерти их автора.

«Мы Куинджи знаем со школьных лет, это фактически программный художник, но здесь мы открываем для себя совершенно иное искусство. Куинджи очень современен, его краски смотрятся настолько необычно», ‒ отметила председатель Правильства РФ Ольга Голодец.

Двадцать три музейных собрания России, Азербайджана и Белоруссии, одна частная коллекция и работы из Третьяковки. Всего ‒ около 180 произведений. В Москве ретроспективные выставки Куинджи были лишь дважды, но в таком масштабе впервые.©

«Постоянная экспозиция всегда рассматривается как нечто более консервативное, чем выставки, ты можешь экспериментировать на выставках, но в постоянной экспозиции, говоря о нас, у тебя постоянно должны присутствовать «Мишки в сосновом лесу» и «Три богатыря», - рассказала генеральный директор Государственной Третьяковской галереи Зельфира Трегулова.

На сессию, посвященную созданию постоянных экспозиций современного искусства, приехали директора и главные кураторы крупнейших мировых музеев. Стеделейк Музей, в котором хранились мебель, монеты и предметы быта голландцев, к началу 70-х годов стал выступать в новом качестве - первого в Амстердаме музея современного искусства.

«Один из вызовов последних лет для музея - это подрастающее поколение. Мы должны уделять больше внимания школьникам и их просвещению в области искусства, в том числе, и современного», - рассказал исполняющий обязанности директора Городского музея Амстердама Ян Виллем Сибург.

В коллекцию галереи Бельведер входят живописные произведения разных эпох, от Средневековья и барокко до XXI века. Перспективную стратегию развития ее кураторы связывают с выходом музея в виртуальное пространство.

«Демографический вопрос для нас очень важен, мы стараемся работать в разных направлениях, чтобы привлечь новую публику. На конференции я бы хотела поделиться нашим опытом с коллегами», - отметила директор галереи Бельведер Стелла Роллиг.

Особое внимание участники уделили способам и методам экспонирования в музейном пространстве произведений современного искусства.

«Возможность говорить о произведении искусства, возможность говорить об искусстве, оно очень разное, и желание отказаться от абсолютизации шедевров, мне кажется, что это очень продуктивно», - сообщил куратор Виктор Мизиано.

Участники конференции обсудили опыт выставочной деятельности в ведущих галереях и музеях Европы. Сессия завершится докладом о проекте новой экспозиции искусства XX века в Третьяковской галерее на Крымском валу. Принципы ее формирования отечественные искусствоведы обсудят с зарубежными коллегами.©

Исполнилось 80 лет со дня рождения Саввы Ямщикова – реставратора, искусствоведа, писателя. Благодаря ему были восстановлены десятки памятников архитектуры – в их числе и Дом Палибина в Москве, где находится мемориальный кабинет Ямщикова. Правда попасть туда сейчас непросто. Подробности - в репортаже Юлии Струковой.

Еще недавно здесь был выставочный зал НИИ реставрации. Вход был свободным для всех. Приходили на лекции, выставки. Теперь внутри пусто. Чтобы войти в кабинет своего отца, дочери Саввы Ямщикова приходится договариваться с новыми арендаторами - Фондом Архангела Михаила, которому здание передало Министерство культуры. Реставраторы выехали, кабинет Ямщикова закрывают на ремонт.

«Дорога сама атмосфера. Я побаиваюсь, удастся ли ее воссоздать. Придется фотофиксацию сделать перед отъездом, чтоб не забыть, где что стояло, висело», - рассказала дочь С. Ямщикова, хранитель кабинета Марфа Ямщикова.

В конце 80-х Савва Ямщиков выхлопотал особняк для нужд реставраторов. Дом Палибина начала XIX века построен после наполеоновского пожара, таких в столице единицы. Савва Васильевич мечтал, здесь будет живой музей реставрации, где и учатся, и работают. Так и было больше 30 лет.

«Посетители выставок имели редчайшую возможность после осмотра экспозиции зайти в мастерскую, заглянуть туда, посмотреть, как работают реставраторы, заглянуть, как работают с картинами до реставрации, в процессе, после реставрации», - отметил художник-реставратор, бывший руководитель выставочного зала ГосНИИР Нина Зайцева.

На этих фотографиях – Савва Ямщиков с членами Советского фонда культуры, при котором в перестроечные годы была создана Всесоюзная ассоциация реставраторов. Здесь обменивались опытом специалисты всей страны. И это тоже была идея Саввы Ямщикова.

«Человек, беззаветно любивший свою профессию, свое ремесло, чувствовавший все это, любивший людей, окружавших его. И умеющий вокруг себя собрать тех, кто так же, как и он, любил культуру России, реставрационную отрасль», - рассказал вице-президент Центральной Региональной Объединенной Ассоциации Реставраторов Антон Семенов.

Скоро начнется ремонт. После сюда въедет Фонд по поддержке художественных промыслов религиозного назначения. Реставраторы надеются, мемориальный кабинет Саввы Ямщикова сюда тоже вернется.©

Репортаж Анны Галинской.

Не нужно знать точный адрес, чтобы найти мастерскую Зураба Церетели. Скульптуры видно издалека, они намного выше забора, на уровне сосновых крон. Дому-музею уже два года, экспозиция время от времени меняется, а в этот день публике представили еще 120 работ, хранившихся в запасниках. Как их расставить в новом пространстве ‒ решают до сих пор.

«Отсюда это может отправиться на соседний участок или с соседнего участка ‒ сюда. Здесь постоянно творческий процесс, который происходит постоянно, потому что Зураб Константинович как художник каждое утро имеет свой взгляд на то, как оно должно выглядеть», ‒ говорит научный сотрудник Московского музея современного искусства Анна Белявская.

Несколько дней назад здесь установили пятнадцатитонный крест. Две ветви виноградной лозы, перевязанные локоном Нино, которая в четвертом веке принесла христианство в Грузию. О родине Церетели напоминает почти каждая скульптура, с подробностями представлены сцены из жизни грузинского народа. Высятся и узнаваемые фигуры актеров, художников, поэтов. Экскурсию для министра культуры Зураб Церетели проводит лично. Рассказывает о доме, доставшемся от художницы Нади Леже, знакомит Владимира Мединского со своими бронзовыми соседями.

«Рядом находятся и библейские сюжеты, и макеты многих памятников, установленных в стране и в мире. Памятник мушкетерам, в которых несложно узнать наших знаменитых артистов, установлен во Франции Зурабом Константиновичем», ‒ отметил министр культуры Владимир Мединский.

Такой же заяц, только трехметровый, стоит на одной из улиц Баден-Бадена с 2014 года. Эмали на библейскую тему ‒ результат долгих поисков скульптора. Двенадцать лет экспериментов для того, чтобы воссоздать древнюю грузинскую технологию «минанкари». Оказалось, дело в обычной воде.

«Взял родниковую и добавил. Произошла хватка. Когда потом провели анализы, получилось, что там не хватало железа», ‒ пояснил Зураб Церетели.

Все работы переехали сюда надолго. И, кстати, увидеть их можно совершенно бесплатно.

«Удивляются иногда: а где касса? Где билеты покупать? Я говорю: какие билеты? Не хватало еще этого! У меня другой характер, поэтому двери открыты, приходите», ‒ приглашает народный художник СССР.©

С.К.ЗАРЯНКО
(1818 — 1870)

Портреты С.К.Зарянко вызывали у современников как справедливое восхищение, так и недоумение и критику: в полярности мнений об одном художнике запечатлевалась не только его творческая судьба, но и эволюция общественного отношения к проблеме портретного искусства – проблемам правды и вымысла, натурализма и реализма.

Заметная личность в истории русского искусства и активный участник становления Московского училища живописи и ваяния Сергей Зарянко остается фигурой довольно одинокой, однако его концепция натурализма оказалась во многом программной для живописи середины 19 века.

Сохранив характер замкнутой индивидуальной системы, его творческий метод отразил состояние современной художественной практики, когда в русле поисков средств выразительности приемы изобразительного иллюзионизма оказывались весьма актуальными.

В эволюции натуралистического направления в искусстве творчество Зарянко, создавшего «совершенный новый род портретной живописи – род пластической действительности», имеет стадиальное значение, обнаруживая концептуальное родство не только с тенденциями своей эпохи, но и с такими явлениями, как фото- и гиперреализм 20 века.

(Из статьи С.С.Степановой «Иллюзия реальности. О портретном искусстве С.К.Зарянко». Каталог выставки «Пленники красоты» в ГТГ, 2006).

Сергей Константинович Зарянко родился 24 сентября (6 октября) 1818 года в местечке Лядов (Ляды) Бабиновицкого уезда Могилевской губернии, сын крепостного крестьянина графа Любовирского. Вместе с семьей переехал в С.-Петербург, где получивший вольную отец работал у князя А.Н.Голицына.

Учился рисованию у В.М.Аврорина. Состоял вольноприходящим учеником Академии Художеств (1834-1838) в классе пейзажной живописи у Максима Воробьева. Учился у Алексея Венецианова (1937). Был награжден малой и большой серебряными медалями и получил в 1838 звание неклассного (свободного) художника. В 1843 удостоен звания академика, а в 1850 за представленные портреты получает звание профессора 2-й степени.

С 1856 года начал преподавать в Московском училище живописи и ваяния, инспектор училища (1856-1860), старший преподаватель (1861-1870). Автор рукописного «Руководства к живописи» и других теоретических трудов по методике преподавания.

С конца 1865 по 1870 жил преимущественно в С.-Петербурге, где работал над портретами членов императорской фамилии для «Романовской галереи» в Эрмитаже.©

Рассмотреть работы Виктора Пивоварова на вернисаже было практически невозможно. Перед каждой картиной ‒ толпа людей. Интервью с художником превратилось в настоящую экскурсию. Такому формату Пивоваров даже обрадовался. Говорит, на выставке очень много потайных ящиков, ключи от которых только у него.

«Почему на выставке, посвященной интеллигенции, обувная фабрика? Мой первый художественный успех связан с этой фабрикой. Мама работала в закройном цеху, мне было десять лет, меня попросили сделать стенгазету цеху», ‒ вспоминает Виктор Пивоваров.

Виктор Пивоваров не любит, чтобы над смыслом его картин зрители долго думали. Поэтому все свои работы помещает в альбомы, где каждый рисунок сопровождается текстом. «Действующие лица» ‒ альбом со сценками из московской жизни. Вот, например, «Целующиеся на фоне Кремля». Есть здесь и работы, отсылающие к русскому искусству XIX века.

«Первый лист альбома называется "Ворона на снегу". Вы можете воспринимать это так, как это нарисовано: зима, Москва, вороны на снегу. Но более грамотный зритель вспоминает о том, ворона на снегу ‒ это образ, который увидел Суриков, когда искал композицию для “Боярыни Морозовой”», ‒ пояснил художник.

Впрочем, раздать зрителям все свои ключи художник не готов. Альбом «Если» ‒ самый концептуальный. Здесь нет изображений, только текст. Пивоваров предлагает, например, представить, что «Если позвонит Лена. Если никто не придет. Если поехать к Наташе, а там будет ее муж …».

«В этом цикле речь идет о том, что в единице времени, в конденсированном виде, заложено огромное количество потенций человеческой жизни, судьбы, развитии души человека», ‒ объясняет Виктор Пивоваров.

Виктора Пивоварова называют концептуалистом-романтиком. Ему же, как он говорит, тесно в этой шинели. «Я не мыслитель, я чувствователь. Экзистенциалист». Пивоваров давно не живет в Москве, но по-прежнему считает себя московским художником, и выставка эта посвящена московскому мифу.

«Только из очень молодого душой и телом художника может политься такая веселая, непринужденная и теплая по-человечески песня. Сколько здесь юмора и как много деталей», ‒ говорит директор Мультимедия Арт Музея Ольга Свиблова.

Через несколько дней Пивоваров вернется в Прагу, в свою мастерскую, к новым альбомам… Он говорит, есть еще один вопрос, на который до сих пор не может найти ответ: как изобразить жизнь души?©

Финал этого насыщенного дня итальянский премьер Джузеппе Конте провел в этом зале на выставке, которая стала важным шагом в развитии многолетних партнерских отношений между Пушкинским музее и музеями Италии. В экспозиции ‒ примерно половина произведений итальянских мастеров XVIII века привезена из итальянского города Виченца. Экскурсию для премьер-министра Италии Джузеппе Конте провели директор Пушкинского Марина Лошак и Виктория Маркова, куратор выставки «От Тьеполо до Каналетто и Гварди».

«Я увидела человека живого, который хорошо понимает предмет разговора, которому очень интересно его продолжение, которому даже несколько жаль, что его отрывают все время разные люди и не дают ему увидеть то, что ему интересно и поговорить об этом. Он засыпал нашего куратора Викторию Эммануиловну Маркову вопросами, причем вопросами, очень характеризующими его как человека, знающего искусство», ‒ отметила Марина Лошак.

Экспозиция открылась еще летом. Вторую часть этого масштабного выставочного проекта совсем скоро примет город Виченца. Его мэр Франческо Рукко отметил, что выставку там очень ждут, ведь среди картин есть и такие, которые в Виченцу привезут впервые.

«Подобный, двухэтапный, проект с Россией ‒ это наш первый опыт. Мы очень рады, что к нам в город на время вернутся работы, которые были написаны именно там», ‒ рассказал Франческо Рукко.

Венеция в XVIII веке становится центром художественной жизни Европы. Из Италии прибыли работы крупнейшего живописца той эпохи ‒ это Джованни Баттиста Тьеполо, картины Франческо Гварди ‒ автора фантазийных пейзажей, их называли «каприччо». В свою очередь, в собрании Пушкинского музея есть несколько полотен Антонио Каналетто, кстати, работ этого художника в Виченце нет так же, как и картин Бернардо Беллотто. 5 ноября московская выставка закроется, а уже к 20 числу ее ждут в Италии.©

Сегодня (26.10.18)специалисты подрядной компании прервали свою работу, чтобы стать свидетелями первого торжественного момента в реконструкции храма – освящения отреставрированного креста.

«Когда видят храм с крестом, уже, значит, надежда и вера там есть. Бай Бог, чтобы люди приходили и любовались издалека крестом, заканчивая фресками, которые здесь уникальны», ‒ говорит иеромонах Серафим (Игнатьев), насельник Валдайского Иверского мужского монастыря.

Строители бережно поднимают крест на купол храма. Церковь Николы на Липне вообще уникальная. Здесь потребовался индивидуальный подход не просто к самому храму, а к каждому его камню, который сначала очищали сантиметр за сантиметром, потом применяли свои технологии, чтобы восстановить, укрепить и подготовить стены к дальнейшей реставрации.

«Когда начали по одному камню разбирать, то обнаружили под известняковым покрытием кирпичный слой, который очень хорошо сохранился. Получается, что для сохранения того кирпичного слоя, старые мастера использовали, как панцирь, для укрепления и утепления этого слоя», ‒ рассказал директор компании-подрядчика Андрей Архипов.

Но, чтобы увидеть все элементы храма как первозданные, так и восстановленные в XV, XVII и в середине прошлого веков, рабочим пришлось сначала очистить стены от старой штукатурки, плесени, обработать их специальным составом, подобрать материал для пустот.

«Местами разрушения были, где-то грунт отставал. Чтобы это все не упало, реставраторы укрепили, чтобы сохранить живопись, были проведены консервационные работы», ‒ уточнила ведущий инженер отдела ремонта и надзора памятников Новгородского музея-заповедника Галина Иванова.

Впереди еще ‒ немало труда. Ведь после войны от церкви остались одни руины. Советские реставраторы восстановили ее. Но вдохнуть в обитель новую жизнь получилось только благодаря выделенным уже в наши дни федеральным средствам. А это ‒ более 20 миллионов рублей.