Новости и события в культурной жизни

«Заседание Государственного совета» было создано в 1901–1903 годах по правительственному заказу для Мариинского дворца, где проходили собрания Госсовета Российской империи. В работе над картиной Репину помогали ученики — Борис Кустодиев и Иван Куликов. Огромный коллективный портрет 81 государственного деятеля был представлнен публике 4 января 1904 года.
«Решение передать "Госсовет" в Третьяковскую галерею далось непросто, — прокомментировала заместитель директора ГРМ по научной работе Евгения Петрова. — Это одна из центральных работ Репина в экспозиции, она занимает целый зал, и для нас это означает на несколько месяцев эту работу изъять и чем-то заменить, чтобы это пространство нормально функционировало».
Выставка «Илья Репин» откроется в Новой Третьяковке 16 марта. Из Русского музея на нее привезут 78 работ Репина — 54 живописных и 24 графических. В ГРМ выставка Репина пройдет в октябре, к этому времени все экспонаты вернутся из Москвы.

Никогда еще под одной крышей не было столько портретов поэта. Их ‒ около трехсот, а еще скульптура, графика. Двадцать пять музеев открыли свои запасники. Эти работы ‒ из музея Пушкина на Мойке. На миниатюре Ксавье де Местра, друга семьи, Пушкину ‒ три года. Здесь тринадцать ‒ он лицеист. До сих пор не ясно, кто автор акварели: Сергей Чириков, учитель рисования, или Орест Кипренский, писавший в это время обитателей лицея. Пушкин ‒ франт, щеголяющий в шляпе, сразу после женитьбы в Царском Селе, буквально светится от счастья. Эскизы, наброски и знаменитый портрет поэта в халате Василия Тропинина.

«Художники жаловались, что Пушкин был настолько живым, в течение минуты менялось выражение его лица, что схватить это все, изобразить было практически невозможно. А вот так, когда каждый художник какую-то секунду лица Пушкина, особенно это относится к прижизненным портретам, смог отразить, то здесь, на этой выставке, мы впервые сталкиваемся с этим удивительным образом», ‒ подчеркнул директор Всероссийского музея А.С. Пушкина Сергей Некрасов.

Многие художники писали портреты Пушкина уже после смерти. У каждого он свой. Илья Репин и Иван Айвазовский в «Прощании Пушкина с морем» сравнили поэта со стихией. Айвазовский написал еще несколько картин. Лицо Пушкина он копировал с портретов других художников. Не многие знают, что на этой картине в халате поэта позировал его близкий друг Павел Нащокин. В советское время писать «солнце русской поэзии» было не просто. Петру Кончаловскому пришлось закрыть босые ноги поэта на картине «Пушкин в Михайловском». Худсовет посчитал это недопустимой вольностью.

«Собрать вместе и увидеть буйство красок, имена художников, самого разнообразного Пушкина, который смотрит на нас, и улыбаясь, и смеясь, и грустя. Такого не было никогда», ‒ пояснил директор Государственного музея А.С. Пушкина Евгений Богатырев.

Эта инсталляция Александра Конова в стиле Энди Уорхола бьет устоявшиеся каноны. Пушкин в стиле поп-арта выглядит естественно.

«Сборные выставки всегда являются большой проблемой, большой ответственностью для того, чтобы собрать единую инсталляцию, единое экспозиционное решение. Оно как раз продиктовало возможность появления Энди Уорхола как возможного участника, еще одного художника, который тоже мог бы выплеснуть свое творческое вдохновение для того, чтобы создать еще одну версию великого русского поэта», ‒ говорит художник Александр Конов.

«Дуэль Пушкина с Дантесом» Алексея Наумова ‒ финальная точка экспозиции. В 1884 году великий князь Николай Михайлович купил картину художника и подарил ее пушкинскому музею на Мойке. Эта выставка ‒ первый проект, которым начинается год 220-летия со дня рождения Пушкина.©

Заметим по ходу, что представители рода Лихтенштейнов на протяжении веков были страстными собирателями искусства. Зачинатель - Карл I фон Лихтенштейн. В конце XVI века он активно занялся скупкой картин, гобеленов, мебели. Следующие поколения добросовестно продолжали его дело. Из Вены передаёт Андрей Золотов.

Этот дворец князей Лихтенштейнских (по соседству с императорским Хобургом) - один из двух дворцов владетельного рода, здесь, в австрийской столице, бывшей некогда столицей священной Римской империи.

Находящиеся здесь произведения искусства можно увидеть, лишь став участником одной из проходящих здесь Международных конференций или записавшись на специальную экскурсию, которая бывает только раз в месяц. Но в ближайшие три месяца 200 шедевров из коллекции Лихтенштейнов - на выставке в музее «Альбертина».

«От Рубенса до Макарта» – название чрезвычайно условно. Рубенс – просто наиболее известный из представленных здесь старых мастеров, а Ханс Макарт – крупнейший австрийский мастер академизма, или, как его называют, историзма, работавший во второй половине XIX века.

Представленные здесь вещи от раннего Ренессанса (например, удивительное скульптурное изображение Христа во гробе работы немецкого мастера XIV века, включая вещи Брейгеля, Ван Дейка, Йорданса, Себастьяно Риччи, Каналетто), до крупнейших австрийских живописцев XIX века – Вальдмюллера и фон Амерлинга.

Заглавная работа, вынесенная на афишу выставки, – это маленький портрет дочери Рубенса Клары Серены 1616 года. Но заглавной могла стать и знаменитая «Венера перед зеркалом», да и другие шедевры.

«Здесь важнейшая работа – позолоченный бюст римского императора Марка Аврелия, здесь шедевр маньеризма – портрет императора работы Арчимбольдо, составленный из множества зверей. На другом этаже - Моне, искусство импрессионизма, классический модерн – Матисс, Малевич, дальше – Базелиц, Ансельм Кифер и Герхард Рихтер. И я думаю, за эти три месяца, что проходит выставка в музее «Альбертина» - каждый посетитель сможет увидеть, как за 500 лет изменились общество, мир и искусство», - поделился директор музея «Альбертина» Клаус Альбрехт Шрёдер.

Рядом с экспозицией живописи и скульптуры – выставка акварелей «Рудольф фон Альт и его время». Рудольф фон Альт – это крупный австрийский мастер, чье творчество продолжалось почти весь XIX век. Среди его работ – интерьеры аристократических дворцов. Когда-то в Вене были десятки аристократических коллекций произведений искусства.

Сегодня осталась одна – коллекция князей Лихтенштейнских. Но и ее история весьма драматична. В 1918 году семья потеряла свои владения в Чехословакии. В 1938 году, когда Вена стала нацистской, Лиххтенштейны сумели вывезти коллекцию в Вадуц, остававшийся нейтральным в годы Второй мировой войны.

Однако в 1960-е и 70-е годы много выдающихся произведений были проданы. А в последние десятилетия, благодаря князю Хансу Адаму II, Лихтенштейны стали выкупать некоторые ранее проданные работы и приобретать новые.

«Особенность лихтенштейнского собрания в том, что это не завершенное собрание, как, например, императорское собрание в венском Музее истории искусств. Мы все время обновляем коллекцию, придаем ему новую форму через новые приобретения и в то же время показываем это собрание на больших выставках. Как вы знаете, были две большие выставки в Музее имени Пушкина в Москве – одна, посвященная фламандской живописи, а другая - живописи Бидермейера. И, как я слышал, мы, может быть, скоро сделаем еще одну выставку в Москве», - рассказал директор собрания Лихтенштейнов Йоханн Крэфтнер.

До 10 июня сотни тысяч гостей придут сюда, чтобы увидеть эти малодоступные коллекции княжеского дома Лихтенштейнов.©

Подождешь и поймаешь то самое мгновение - техника фотографа Юрия Роста. Ею овладел еще в 8 лет. С этого кадра дворовых ребят и начинается ретроспектива «Люди». Рядом с каждой фотографией - авторский текст. Рассуждения, воспоминания. Такие простые и такие важные.

«Это Володя. С одной стороны, он абсолютно в музыке, он прекрасно понимает движения, он чувствует зрителя, а текст - не о том, какой он великий дирижер, организатор оркестра, скрипач мирового класса, текст о том, как этот человек помогает другим людям постоянно», - рассказал фотограф, журналист Юрий Рост.

Размышления и кадры - одно целое. Забыл дома у Даниила Гранина кепку. Но успел сделать серию снимков. Попросил замереть в дверном проеме, потому что увидел символ креста в фигуре. А здесь - любовь к человеку, актеру, писателю Сергею Юрскому. В порыве «дружеского восторга», как пишет Юрий Рост, отдал ему все негативы с изображением, чего не делал никогда. Снимок - смерть момента. Это всегда представление фотографа о человеке. Рост изображает, людей, которые что-то привнесли с собой в мир.

«Каким образом в статике можно передать состояние, движение, характер в портрете человека? Это остается загадкой. И Рост в этом смысле абсолютный волшебник», - рассказал кинорежиссёр, народный артист России Вадим Абдрашитов.

Снимки - как высказывания. О жизни в самой закрытой стране мира рассказывает выставка итальянского фотографа Пьера Паоло Косса.

Он оказался в Северной Корее в 92-м по приглашению ЮНЕСКО на Международную конференцию по хореографии в Пхеньяне. Путешествие затянулось, и вместо 10 дней он пробыл там 20. Тогда и начал работу над серией «Глэм-эстетика власти». Жизнь - как гимн «Вечному президенту» Ким Ир Сену и его семье. Страна, в которой дисциплина, контроль и коллективная ответственность - образ жизни. Пьер Паоло снимал отточенные синхронные гимнастические парады, театральные представления. И сгущал краски, утрировал изображение, превращал их в сюрреалистические плакаты.

«В любой сказке есть светлая и темная сторона. Вспомним «Алису в стране чудес». Там есть и Червонная королева, и Мартовский кролик, и Безумный шляпник. В Северной Корее можно провести прямые параллели. Это метафора власти. Та поездка дала мне осознание собственной свободы. От меня требовали документировать каждый день пребывания в стране, это и напоминало жестокую сказку, где я один из персонажей», - признался фотограф (Италия) Пьер Паоло Косс.

В Мультимедиа Арт Музее - другой знаменитый фотохудожник - автор растиражированного портрета Стива Джобса, любимый фотограф Мика Джаггера, Альфреда Хичкока, Моники Белуччи и других мировых знаменитостей. Британец Альберт Уотсон снимает даже во время интервью.

В этом году он автор календаря Pirelli. Выпуск календаря - больше полувека и легендарная традиция, и художественное событие. Стать его фотографом - значит, получить мировое признание, сняться для Pirell - большая честь. Фотограф получает полную свободу в выборе концепции. Альберт Уотсон посвятил свой проект «силе мечты».

«Я постоянно мечтаю. Когда я был студентом, я со своей семьей приходил мечтать в аэропорт. Я представлял, что в одном из самолетов лечу я. В эти моменты я всегда был настроен очень оптимистично. Я точно знал, что это случится. Я не просто буду в одном из самолетов, а полечу именно в том, в котором мне надо будет лететь», - признался Уотсон.

На каждый месяц у Уотсона - целая серия снимков, разрозненных кадров из фильмов. В ролях - прима-балерина Мисти Коуплэнд, она танцует в стрип-клубе и мечтает о большой сцене, Сергей Полунин учит танго художницу Литицию Каста, Джиджи Хадид, у которой есть всё, кроме большой любви, и Джулия Гарнер - фотограф в поисках захватывающих снимков. 4 минифильма. 40 фотографий.

Альберт Уотсон объясняет - это, конечно, календарь, но если вы захотите узнать, какое сегодня число, быстрее это сделать на смартфоне.©

Последний день. Очередь огромная ‒ метров 300. Чтобы увидеть работы Куинджи, люди стоят не два часа и не три ‒ весь день. Друг друга знают в лицо, знакомятся, общаются. Развивают выносливость дети ‒ вот она, жертва ради искусства.

Посетители поделились:

«Когда мы встали изначально, нам сказали: шесть часов. Сейчас, когда мы чуть-чуть продвинулись, нам сказали, что порядка еще шести часов. Мы уже стоим третий час»

«Мы уже не можем. Уже не хватает сил считать».

Еще одна очередь, поменьше ‒ в гардеробе. Не хватает мест. Количество номерков и людей в зале взаимосвязано ‒ ровно столько, сколько допустимо, чтобы поддерживать температурно-влажностный режим. Сотрудники музея говорят, в последние дни всегда так: те, кто откладывал посещение музея на потом, одновременно активизируются, думая, что если не попадут сейчас, то никогда эти работы не увидят.

«Конечно, мы предполагали для себя некую цифру посещаемости этой выставки, но мы ошиблись. Интерес к проекту и личности Куинджи оказался значительно выше. Итоговая посещаемость существенно выше ожидаемой цифры», ‒ рассказала главный хранитель Третьяковской галереи Татьяна Городкова.

Предполагалось, что на выставку придут около 180 тысяч посетителей, в итоге почти в два раза больше. Одна из причин ‒ желание увидеть печально известный пейзаж «Ай-Петри. Крым». Возле него постоянно люди запечатлевают в памяти и на телефон. Похищение картины 27 января, ее поиск и обнаружение, возвращение в музей вызвало дополнительный интерес к выставке и, конечно, к самой картине, отделавшейся легкими царапинами. Правда, реакция на случившееся у любителей живописи совсем разная:

«Очень испугались, потому что билеты уже были на руках, а тут в новостях объявляют, картину украли. Думали, что выставку закроют или еще что-то в целях безопасности».

«А чего переживать? Украли и украли ‒ такое бывает».

«Это произошло буквально со мной. Я нахожусь на работе и в течение дня узнаю, что украли картину».

Сейчас все полотна оборудованы датчиками движения. Это первая выставка в Третьяковке с такой системой безопасности ‒ эксперимент, рассчитанный на будущее. Сегодня музей закрыт, скоро все картины, около 180, вернутся в свои собрания, но 14 полотен останутся в музее, в отдельном зале, в постоянной экспозиции, где они и находились до этой выставки с почти детективной историей.©

«Николай Мещерин. Выход из суеты» - это совместный проект музея и Государственной Третьяковской галереи. Выставка проходит в рамках стратегии музея раскрывать для широкой публики талантливых, но малоизвестных сегодня художников. К слову сказать, последняя выставка картин Мещерина состоялась еще во времена СССР, около 30 лет назад.

Открывшаяся 13 февраля экспозиция собрала около 100 работ художника из государственных и частных музеев, а также собраний российских коллекционеров. Порядка 70% произведений предоставлено музеями, остальное – частными лицами, рассказала «Культуромании» Юлия Петрова, директор Музея русского импрессионизма. Примечательно, что на работах Мещерина - только пейзажи средней полосы России, точнее, подмосковной земли вокруг усадьбы Дугино. Художник не писал портретов вообще, как и не собирал портреты в личную коллекцию от других своих коллег.

Мещерин вдохновляется родными далями, полями, деревенской жизнью. Поэтому и тема выставки – жизнь усадьбы Дугино, которую создавали семья художника и знаменитые русские живописцы, гостившие у Мещериных и рисовавшие окружающие ландшафты.

Проходя мимо картин, невольно ищешь в картинах Мещерина отзвуки живописи то Жоржа Сёра, то Поля Синьяка. Или кажется, что вот здесь - закрученные линии Винсента Ван Гога, а здесь – поэтика цвета Клона Моне. Но Мещерин – художник со своим выработанным стилем. Почему же так бывает, что художник выпадает из ряда известных имен?

Куратор выставки Анастасия Винокурова объясняет, что Мещерин довольно редко представлял свои картины для выставок. В СССР выставок Мещерина тоже почти не было, отсюда пропадает эффект узнавания. Хотя уровень Мещерина высок: он на равных экспонировался вместе с Константином Коровиным и Борисом Кустодиевым на выставках, устраиваемых в начале XX века Союзом русских художников.

Мещерин не получил художественного образования. Как наследник большого состояния, меценат и предприниматель, он поначалу стал приглашать в усадьбу известных художников, таких, как Игорь Грабарь, Исаак Левитан, Василий Переплетчиков, Алексей Степанов, Аполлинарий Васнецов. Каждому для проживания давалась отдельная комната, а для работы - специальная мастерская. Так Мещерин создал в своем имении своеобразный художественный центр и сам стал маститым художником, говорит Винокурова. Ему было уже за 30 лет, когда начали появляться его первые работы – небольшие этюдные композиции. Но прогресс в живописи пошел быстро.

Ранние вещи написаны в классической академической манере. Но постепенно Мещерина увлекает импрессионизм, чему способствуют и привезенные в Москву Сергеем Щукиным работы Клода Моне, Эдгара Дега, Камиля Писсаро и других. Кроме этого, в импрессионистской манере пишет и его друг Грабарь.

Усадьбу Дугино, к сожалению, не постигла судьба такого же уголка художников, как Абрамцево. Сегодня она в заброшенном состоянии, а в 2014 году случился серьезный пожар – от здания остался только остов и трехэтажный фасад. По словам сотрудников музея, они надеются, что нынешняя выставка поможет привлечь внимание к теме сохранения этой усадьбы.

Подготовка к выставке преподнесла организаторам сюрприз. На обратной стороне картины «Ржаные поля. Вид от ворот усадьбы Дугино в сторону села Колычево» (1906) обнаружилась вторая полноценная работа с названием «Опушка леса зимой» (1906). В декабре 2018 года, при реставрационной подготовке к выставке хранитель Третьяковской галереи сообщила об обнаружении живописного оборота на одной из картин. До этого оборотная сторона картины была законвертована, то есть полностью закрыта. И то, что под картоном имеется вторая прекрасная картина, никто не догадывался. Удивительно, что Мещерин написал «Ржаные поля» в академической пейзажной манере, а оборот в том же году – в смелом импрессионистическом стиле, где длинные динамичные мазки играют розово-голубыми красками.

Художник тонко схватывал в работах переходное состояние суток, любил рисовать ночную природу, моменты рассветного пробуждения. Конечно, сделать это с натуры, да еще и, например, зимой, было невозможно. Поэтому Мещерин часто выезжал просто «наблюдать», а потом дома делал записи и этюдные зарисовки в альбомы, которых накопилось множество. К сожалению, пожар в начале прошлого века и затем национализация усадьбы уничтожили все альбомы, кроме одного, который смог вывезти Игорь Грабарь.

Мещерин в нем пишет: «Розово-палевая тусклая луна едва намечается сквозь облака. Облака книзу сиреневые, выше полосы гуще и серее. Небо у облаков палево-бирюзовое, мутное, выше – голубо-зеленое, бирюзовое» (3 часа ночи 4 мая 1905 года). Или: «Синее небо. Очень густая гамма. Лилово-серый снег, и избы, и деревья (ветлы) почти одного тона – табачного. Луна справа» (зима 1905 года). Как иллюстрация к записям на выставке есть знаменитая картина 1908 года «Морозная ночь», на которой так ажурно переданы и искристый ночной снег, и силуэт березы в инее.

Любопытны письма Мещерина к друзьям. Например, в письме к Грабарю он самокритично признается: «Что касается меня, то я начинаю трусить: как бы не ограммофониться. Так увлекся, что беда. То бывало: утренняя заря, да лунная ночь и т.п.; а теперь еще и граммофон» (11 июня 1907 года).

Мещерин умер в 1916 году, не увидев национализацию усадьбы. Наследие художника сохранилось во многом благодаря усилиям Грабаря.

Как готовилась это выставка, «Культуромании» рассказала директор Музея русского импрессионизма Юлия Петрова:

- Подготовка заняла около года. В ходе обсуждений мы пришли к тому, что интереснее и богаче будет экспозиция, посвященная Мещерину и тому миру, который он вокруг себя сам создал. Его мир – это усадьба Дугино и художники-современники, большие мастера, на которых он равнялся и которых по-человечески любил. Это, в первую очередь, конечно, Игорь Грабарь, Исаак Левитан, Аполлинарий Васнецов, Василий Переплетчиков, Мануил Аладжалов.

К теме выставки создан каталог. Это важная составляющая, в каталоге есть и научные статьи, и архивные материалы, а также иллюстрации тех работ, которые не смогли по разным причинам присутствовать в нашей экспозиции.

- Примечательно, что Мещерин выставлялся не только в России, но и в Париже.

- Да, это было в рамках выставки «Русское искусство», организованной Сергеем Дягилевым. Дягилев, очень тонкий ценитель искусства, отбирал работы сам. Он пригласил к участию и Мещерина, и несколько его работ поехали в Париж.

Анастасия Винокурова, куратор выставки тоже поговорила с «Культуроманией» о художнике:

- Необычно, что Мещерин не был за границей и даже редко уезжал из Дугино. Ему было достаточно для впечатлений русской, привычной нам всем природы.

- Да, от подмосковных пейзажей не перехватывает дух, но Мещерин находил в них особый лиризм, поэтичность. Для него родные виды были самыми лучшими на земле.

- Зато от его картин, без преувеличения, дух перехватывает. Например, заснеженный лес в лиловых тонах очень впечатляет. Каковы истоки такой живописи?

- Это исключительно заслуга импрессионизма. Вначале Мещерин начинал рисовать в реалистических традициях, он был учеником Алексея Корина, Алексея Степанова. Дружил с Алаждановым и Переплетчиковым - последователями пейзажа левитановского типа, неяркого по колориту, сглаженного по манере исполнения. А потом появляется Грабарь. И, начиная с 1905-1906 годов, у Мещерина меняется техника живописи. Он начинает писать дробно, активно использует стилистику дивизионизма, когда кисть работает точечно, сложение тона происходит не на палитре, а, благодаря оптическим приемам, в глазах зрителя. Эта система оказалась для Николая Васильевича наиболее удобной, чтобы передавать многообразие света и цвета в природе.

- И все же удивительно, что Мещерин неизвестен широкому зрителю.

- Его можно поставить в один ряд с Аполлинарием Васнецовым, с Игорем Грабарем, с Борисом Кустодиевым. Мещерин выставлялся, его картины активно покупались. В этом ирония времени, что кого-то мы забываем, кого-то начинаем вспоминать вновь.

- Многие картины Мещерина – как брызги света. Он рисует очень смело. Оказывается, видеть родные березки на французский манер – так радостно. Мещерин и сам был таким легким человеком?

- Да, он использует очень тонкие оттенки цвета, чувственно подает природное настроение.

Мещерина, по воспоминаниям, очень любили. Он был гостеприимным, душевным. Грабарь писал, что в летние месяцы в усадьбе за столом собиралось до 20 человек. Знаете, как в фильме «Неоконченная пьеса для механического пианино», где герои бесконечно разговаривают, со стола не сходит самовар. Нам хотелось передать на выставке нечто похожее, вот эту легкость и ощущение свободы.

Любовь Мартынова©

На побережье современного Балтийского моря росли хвойные деревья «Пинас Суцинифера». В жарких лучах солнца сосны источали смолу, она, спускаясь по стволу, увлекала за собой мелких насекомых, листья, пыльцу растений, а затем застывала, превращаясь в вещество, способное сохранять в своем плену любое растение, насекомое, воздух десятки миллионов лет. Смола падала в море, покрывались илом, заносилась песком, храня внутри себя сокровища древнего мира. Так появился янтарь. Он то и сохранил инклюзы – ископаемые останки организмов, попавших в древнюю смолу.

Насекомые в янтаре – бесценный подарок природы, своеобразная машина времени, позволяющая заглянуть вглубь времён и донесшая до наших дней в неизменном виде представителей мира насекомых доисторической эпохи. На выставке представлены насекомые, в первозданном виде сохранившиеся до наших дней в натуральном янтаре – сукцините, возраст которого составляет 40-50 миллионов лет, что соответствует палеогену – геологическому периоду, следующему за меловым. В этот период после вымирания большого количества рептилий начался бурный расцвет доисторических млекопитающих. В это время на Земле обитали гигантские бегающие хищные птицы диатримы, причудливые мастодонты, глиптодоны, мегатериумы и удивительные индрикотерии. С тех пор Земля пережила множество ледниковых периодов и изменила место положения континентов.

Каждый экспонат выставки содержится в стеклянной пирамиде, снабженной точечной подсветкой и ювелирными системами линз, позволяющими рассмотреть обитателей древнего мира с детализацией до ворсинки.

Посетив выставку «Доисторические насекомые в янтаре», Вы сможете заглянуть в фасетчатые глаза древних обитателей нашей планеты, живших на ней десятки миллионов лет назад.